Viva o solo de guitarra — uma das formas de arte mais indestrutíveis e geniais de toda a música moderna. Não há nada como a emoção de uma gloriosa explosão de seis cordas — uma saga longa, sinuosa e interminável que se estende de "Free Bird" a "Purple Rain", de "Johnny B. Goode" a "Eruption". Alguns solos clássicos vêm de virtuosos da guitarra; outros são apenas uma explosão de riffs incrivelmente ousados. Mas todos eles deixaram sua marca em nossas mentes.

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A lista da Rolling Stone com os 100 melhores solos de guitarra de todos os tempos é uma mistura eclética de diferentes gêneros, gerações e ritmos. Viajamos por toda a história, com pioneiros do blues, hippies, punks, guerreiros do metal e mestres do funk. Temos surfistas, maconheiros, soldados imperiais e guitarristas implacáveis. Temos lendas como Jimmy Page, Jerry Garcia e Jimi Hendrix, ao lado de guitarristas experientes como St. Vincent e John Mayer, e jovens rebeldes como Geese e MJ Lenderman. Alguns são solos que sempre te fazem cantarolar no carro ou tocar guitarra imaginária usando o aspirador de pó mais próximo. Alguns você poderia até cantarolar no chuveiro. (Ei, não julgamos. Adorar a guitarra é algo sagrado.) Não incluímos nenhum jazz ("How High the Moon", de Les Paul e Mary Ford, é uma música pop de um cara com formação em jazz), e algumas entradas são instrumentais.

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O critério não são as vendas ou a execução nas rádios — apenas o brilhantismo da guitarra de seis cordas em exibição. Também levamos em consideração que o solo é o que faz a música, e que não se limita a repetir a melodia. (Um bônus: se você conseguir cantá-lo nota por nota.)

Como vocês podem imaginar, as discussões que tivemos ao montar esta lista foram mais acaloradas do que o último minuto de "Voodoo Chile". Observação: estamos falando de solos, não de riffs, por isso nosso clássico do Deep Purple é "Highway Star" em vez de "Smoke on the Water". Alguns solos se estendem por dezenas de minutos, explorando o cosmos. Outros precisam apenas de alguns segundos para causar impacto. Mas uma viagem pela guitarra pode ser um grito do coração, repleto de raiva, alegria, fome, dor, ou talvez tudo isso ao mesmo tempo.

Alguns desses 100 solos são clássicos cult influentes; outros são tão universalmente amados que são proibidos na sua loja de guitarras local. Cada fã compilaria uma lista diferente, e essa é a intenção. Mas é uma homenagem à tradição do solo de guitarra e a todos os rituais que a acompanham. Então aumente o volume e leia esta lista em voz alta.

100. AC/DC, 'You Shook Me All Night Long' (1980)

https://www.youtube.com/watch?v=Lo2qQmj0_h4

Os acordes gigantescos e ressonantes, o som de caixa platonicamente perfeito e os vocais arrebatadores de 'You Shook Me All Night Long' estabeleceram um padrão assustador, mas Angus Young consegue, de alguma forma, elevar uma música perfeita a um patamar ainda mais alto com um solo tenso, lascivo e sem notas desperdiçadas. Com seu vibrato vibrante, contrastes entre tons maiores e menores e uma construção constante, é uma pequena e rápida aula de nível doutoral sobre a arte de tocar solos de rock, tudo vindo de um cara de shorts escolares. É impossível imaginar uma mudança em sequer um bend ou floreio. Os solos de Young 'sempre tiveram um propósito', disse Joe Perry certa vez. 'Em vez de usar todos os truques tradicionais, ele encontrou uma maneira de se aprofundar naqueles licks e ser inventivo'. — Brian Hiatt

99. Buddy Guy, 'Stone Crazy' (1962)

https://www.youtube.com/watch?v=m_0WNprb8D8

No palco, Buddy Guy foi o primeiro guitarrista selvagem da Stratocaster, misturando distorção e feedback em sua execução frenética enquanto Eisenhower ainda estava na Casa Branca. Mas em estúdio, sua gravadora, a Chess Records, o relegou a trabalhos de sessão, insistindo para que ele abaixasse o volume do amplificador enquanto acompanhava Howlin' Wolf e Muddy Waters, tentando suavizar seu som a ponto de sugerir um novo nome: Buddy King. Mas na série de solos cada vez mais indomáveis de 'Stone Crazy', gravada no final de 1961, o verdadeiro som de Guy ganhou vida na fita, mesmo que a versão completa de sete minutos tenha ficado engavetada por quase uma década. 'Stone Crazy' era Hendrix antes de Hendrix e deu a Eric Clapton um léxico inteiro de riffs para usar no Cream. 'Alguém venha me buscar', Guy murmura antes de uma sequência frenética de riffs — mas, por mais que tentassem, ninguém jamais conseguiu acompanhá-lo. — BH

98. Geese, 'Getting Killed' (2025)

https://www.youtube.com/watch?v=T5nf0kFQddc

Claro, o enigmático vocalista do Geese, Cameron Winter, recebe a maior parte da atenção, mas as epifanias art-rock elípticas da banda não teriam o mesmo impacto sem a guitarra de Emily Green, especialmente em 'Getting Killed'. A primeira metade da música é uma investida em todas as frentes, com cada membro da banda atacando seu instrumento, e então abruptamente dá lugar a um solo exuberante e cheio de camadas de Green. Seu jeito de tocar é ágil e veloz como o de Tom Verlaine, do Television, mas também etéreo como o Radiohead em meados de sua carreira, e tão bem elaborado que você pode imaginá-la planejando cada nota antes de tocar uma corda. 'Getting Killed' não é extravagante nem descompromissada, mas esse não é o objetivo. O estilo de Green cativa com seu toque minimalista. — Jaeden Pinder

97. Megadeth, 'Hangar 18' (1990)

https://www.youtube.com/watch?v=rUGIocJK9Tc

Usando uma sofisticada sequência de acordes que ele criou enquanto estava no Metallica (veja: 'The Call of Ktulu'), o vocalista e guitarrista do Megadeth, Dave Mustaine, lançou as bases para o trabalho acrobático de Marty Friedman na guitarra. Friedman passou boa parte dos seus 20 anos tocando 1.000 notas por segundo com o grupo de shred metal Cacophony. Mas com o Megadeth, ele finalmente pôde se concentrar na música. '[O produtor Mike Clink] me disse para olhar para as letras, que eram sobre alienígenas, e tentar refletir o tema o máximo possível na minha forma de tocar', disse Friedman certa vez. 'Eu nunca tinha me importado com letras antes, então foi uma revelação ter que pensar seriamente em fazer meus solos soarem como se viessem de Marte'. Tocando escalas com influência jazzística e do Oriente Médio, com floreios escorregadios entre as notas, e os solos rápidos de Mustaine, ele elevou o que teria sido apenas mais uma brincadeira de thrash metal a uma obra de arte. — Kory Grow

96. Red Hot Chili Peppers, 'Scar Tissue' (1999)

https://www.youtube.com/watch?v=mzJj5-lubeM

Quando o primeiro single do álbum Californication (1999), do Red Hot Chili Peppers, chegou às lojas, os fãs não sabiam o que esperar. Já haviam se passado quatro longos anos desde o último álbum, One Hot Minute (1995), um disco de funk psicodélico que não conseguiu manter o sucesso de Blood Sugar Sex Magik (1991). Um dos principais motivos foi a ausência do guitarrista John Frusciante, que havia sido substituído por Dave Navarro, do Jane's Addiction. Mas agora Frusciante estava de volta, e todas as dúvidas foram dissipadas com 'Scar Tissue', uma festa de boas-vindas maravilhosamente bela, que ainda é o som mais suave que a banda já apresentou. Usando um slide em uma Fender Telecaster customizada dos anos 60, Frusciante executa um solo que derrete cada nota, fazendo com que flua como um longo e envolvente rio. Foi o início de uma nova era para a banda. — Angie Martoccio

95. Les Paul and Mary Ford, 'How High the Moon' (1953)

https://www.youtube.com/watch?v=NkGf1GHAxhE

Essencialmente, podemos traçar a história da guitarra elétrica como Antes de Les Paul e Depois de Les Paul. O músico vinha experimentando e personalizando sua própria guitarra elétrica de seis cordas há anos quando finalmente desenvolveu o que se tornaria sua guitarra de corpo sólido característica — e em nenhum outro lugar a influência de Paul sobre como esse instrumento poderia ser tocado é tão evidente quanto nesta versão do clássico de Morgan Lewis e Nancy Hamilton. A música fazia parte do repertório do trio de Paul na década de 1940, mas quando ele e sua esposa, Mary Ford, gravaram sua versão western swing da faixa em seu estúdio caseiro no Queens, ele acelerou o andamento e intensificou consideravelmente o solo. Tudo flui bem enquanto Paul dedilha o que soa como uma linha de Django Reinhardt até pouco antes do minuto da música — e então, nosso homem simplesmente se solta. As batidas vigorosas e as notas sustentadas parecem ecoar décadas no futuro. — David Fear

94. Smashing Pumpkins, 'Mayonaise' (1993)

https://www.youtube.com/watch?v=Vbu_K41efvY

Billy Corgan inspirou-se diretamente no rock clássico que o moldou — os solos harmonizados do Iron Maiden, os clímaxes atmosféricos e de desenvolvimento lento do Pink Floyd, as paisagens sonoras intrincadamente construídas de Jimmy Page — e expandiu suas ambições através de uma produção luxuosa e uma total ausência de modéstia. Ainda assim, o solo comparativamente contido em 'Mayonaise', encaixado entre os delírios alucinantes de 'Geek USA' e 'Silverfuck' na obra-prima de 1993 do Smashing Pumpkins, Siamese Dream (1993), impacta mais devido à sua vulnerabilidade. Corgan não faz nada por acaso, então provavelmente foi necessária uma construção cuidadosa para criar algo que soa como se estivesse se desfazendo. Da nota sustentada trêmula que retrocede erraticamente aos bends dolorosos à beira do colapso, Corgan estabelece um modelo para o som grandioso, distorcido e belamente ferido do nascente rock alternativo dos anos 90. — Jason Roth

93. The Commodores, 'Easy' (1977)

https://www.youtube.com/watch?v=9nBSd1U18vM

O clássico dos Commodores dos anos 70, 'Easy', pode soar suave como seda, mas seu solo de guitarra vibrante e melódico ilumina as tensões da letra. O responsável por isso é Thomas McClary, que escreveu ou coescreveu muitos dos sucessos do grupo e desempenhou um papel fundamental na formação de sua mistura única de soul, funk, country e gospel. 'Quando você tem uma letra em uma música que diz: 'Por que alguém me acorrentaria? Eu me esforcei muito para chegar onde estou', você precisa combinar a intensidade dessa letra', disse McClary sobre 'Easy' em uma entrevista de 2017. 'Muitas baladas simplesmente terminam, mas queríamos que o solo de guitarra a levasse a outro nível de intensidade'. — Maura Johnston

92. Stephen Malkmus and the Jicks, 'Share the Red' (2011)

https://www.youtube.com/watch?v=89wYK-V6FXg

Com sua banda Pavement, Stephen Malkmus era o irreverente palhaço indie dos anos 90, com um amor debochado pelo feedback punk distorcido. Mas o garoto do norte da Califórnia logo se revelou o mais desgrenhado dos guitarristas virtuosos. Ele explora seus solos lindamente líricos em clássicos do indie rock como Brighten the Corners (1997), do Pavement, 'Fin'; American Water (1998), do Silver Jews, 'Night Society', ou seus discos solo com o The Jicks, como Pig Lib (2003) e Real Emotional Trash (2008). As recentes turnês de reunião do Pavement foram tão intensas que ele apresentou a banda como 'Phishport Convention'. Mas ele nunca alcançou um patamar superior a 'Share the Red', do álbum Mirror Traffic (2011), duas décadas após o início de sua carreira. É uma balada melancólica sobre a sensação de estar perdido na vida adulta ('Quarenta anos com um filho/Vivendo na rede elétrica'), mas Malkmus deixa sua guitarra contar a maior parte da história, com nuances elegíacas e hippies, repletas de sons suaves e dourados do soft rock dos anos 70. É a performance mais belamente desarmada e comovente de sua vida — até agora. — Rob Sheffield

91. Aerosmith, 'Walk This Way' (1975)

https://www.youtube.com/watch?v=4c8O2n1Gfto

Embora essa faixa extremamente sensual do álbum clássico do Aerosmith de 1975, Toys in the Attic (1975), seja mais conhecida por seu riff central com toques de funk, os solos vistosos do guitarrista Joe Perry dão às investidas de Steven Tyler um toque divertido. Após o primeiro apelo de Tyler para 'só me dar um beijo', Perry oferece uma amostra de seu virtuosismo com um solo estridente que, segundo a Guitar World, ele gravou usando uma Gibson Les Paul Junior de corpo duplo com um único captador P-90; na segunda tentativa, ele tocou uma Stratocaster do final dos anos 50, a mesma que usou em sua apresentação final, um longo solo que oscila entre guinchos de desejo e improvisações de blues velozes. — MJ

90. Paul Butterfield Blues Band, 'East-West' (1965)

https://www.youtube.com/watch?v=NvWvOwLCWGg

No final de 1965, Michael Bloomfield passou a noite em claro sob o efeito de LSD, ouvindo música indiana de cítara. O resultado foi 'East-West', a jam psicodélica de 13 minutos que impressionou a todos no verão de 1966, misturando jazz modal, drones de raga e blues de Chicago em um novo tipo de monstro do rock estridente. Ele já era um guitarrista de primeira linha — sua participação é constante no álbum Highway 61 Revisited (1965), de Bob Dylan. Mas 'East-West' é sua viagem visionária atemporal — 'um tipo diferente de blues', como disse Carlos Santana. A Butterfield Blues Band improvisava em cima dela por meia hora ou mais ao vivo. 'Antes de 'East-West', eu ouvia muito Coltrane, muito Ravi Shankar e caras que tocavam música modal', disse Bloomfield. Mas, para bandas como Grateful Dead, Santana e Quicksilver Messenger Service, foi uma porta para o futuro. 'Ficamos todos boquiabertos', recordou Bob Weir, dos Grateful Dead. 'Em cerca de seis meses, todos já tinham absorvido todas as suas influências'. — RS

89. Gerry Rafferty, 'Baker Street' (1978)

https://www.youtube.com/watch?v=Fo6aKnRnBxM

"Baker Street", do bardo escocês Gerry Rafferty, é um dos momentos mais icônicos da história do soft rock, um sucesso que alcançou o segundo lugar nas paradas em 1978 e continua a ocupar um lugar de destaque no cânone do rock náutico atual. Para o solo de guitarra, o veterano músico de estúdio High Burns teve a difícil tarefa de criar algo que pudesse igualar a grandiosidade do solo de saxofone de Raphael Ravenscroft, e ele conseguiu com uma performance cristalina e arrebatadora que ecoa perfeitamente o clima do saxofone. Burns teve uma carreira brilhante como músico de estúdio, incluindo trabalhos com Paul McCartney e George Michael, com quem tocou em "Careless Whisper". — JD

88. Genesis, 'Firth of Fifth' (1973)

https://www.youtube.com/watch?v=Rz-tHZEr37I

Assim como muitas das melhores músicas antigas do Genesis, a épica de rock progressivo "Firth of Fifth" foi composta em grande parte pelo tecladista Tony Banks. Originalmente, ele planejava encerrar a música de quase 10 minutos com um solo de teclado. "Mas aí eu comecei a tocá-la na guitarra elétrica", disse o guitarrista Steve Hackett à Rolling Stone em 2019. "Aconteceu de funcionar particularmente bem com o pedal e o fuzzbox que eu tinha na época... era uma melodia especialmente boa tocada na guitarra. No piano, soa como algo impressionista francês. Mas na guitarra, tem algo egípcio ou do Oriente Médio. Quando comecei a tocá-la na guitarra, Tony disse: 'Vamos fazer como banda. Vamos usar teclados grandes'". Foi uma decisão fortuita que deu a Hackett um solo característico que ele continua a apresentar em teatros do mundo todo para fãs adoradores. — Andy Greene

87. Girlschool, 'C'mon Let's Go' (1981)

https://www.youtube.com/watch?v=BYNWo93fPG8

Kelly Johnson tocava guitarra na banda feminina Girlschool, parte da Nova Onda do Heavy Metal Britânico, que também revelou bandas como Iron Maiden e Motörhead, com quem a Girlschool colaborou em 1981 no EP Valentine's Day Massacre (1981). "Kelly Johnson, em um bom dia, é tão boa quanto Jeff Beck em seus tempos de rock and roll", disse Lemmy, do Motörhead. Johnson era tão boa quanto qualquer outro guitarrista virtuoso dos anos 80 em misturar agressividade punk, riffs de blues-rock e virtuosismo metal em músicas como "Yeah Right", "Hit and Run" e, especialmente, "C'mon Let's Go", a faixa de abertura do ótimo álbum Hit and Run (1981). Em "C'mon Let's Go", ela entra e sai rapidamente, condensando uma quantidade enorme de solos poderosos em um pacote compacto. — JD

86. Pantera, 'Cemetery Gates' (1990)

https://www.youtube.com/watch?v=RVMvART9kb8

Além das trágicas circunstâncias de sua morte em 2004, o verdadeiro legado de Dimebag Darrell reside em sua capacidade única de combinar virtuosismo e sentimento — onde a técnica deslumbrante encontra a emoção crua — sem sacrificar a potência em nenhum dos dois. Numa época em que o hair metal e o thrash metal hiperveloz dominavam o cenário, sua performance em "Cemetery Gates" (1990) ajudou a definir uma cena emergente de metal groove menos frenética, mais introspectiva e que via as guitarras como ferramentas potenciais para contar histórias, em vez de meras armas brutais. No solo arrebatador, Darrell ajuda a contar a história de luto e perda da música em três atos distintos. Primeiro, uma passagem melancólica com bends vocais que contrastam com os grunhidos guturais de Phil Anselmo. Em seguida, uma escalada furiosa e crescente de tensão com runs vertiginosos e harmônicos estridentes. E, finalmente, uma liberação catártica em registro agudo que extrai cada gota de drama do momento. — JR

85. John Mayer, 'Gravity' (2006)

https://www.youtube.com/watch?v=7VBex8zbDRs

Uma das faixas de destaque do álbum apropriadamente intitulado Continuum (2006), o som em amadurecimento de Mayer foi influenciado por seu próprio herói da guitarra, Stevie Ray Vaughan, e pelas turnês e gravações com o John Mayer Trio, banda de blues. "Gravity", que o eloquente Mayer descreveu como "a música mais importante que já escrevi... [com] o mínimo de palavras", e seu solo enganosamente simples, é um estudo sobre o espaço negativo, suavemente ondulando e crescendo, com momentos de silêncio incorporados como vislumbres de sol através das árvores em uma tarde de verão. Alguns músicos dependem de amplificadores potentes ou efeitos para transmitir o timbre, mas aqui tudo se resume aos dedos (uma habilidade que Mayer aprimoraria ainda mais durante sua década no Dead & Company, onde era responsável pelos solos). Não há ostentação ou bravata para contrabalançar a quietude de "Gravity" em sua versão gravada. Uma gravação ao vivo lançada em 2008 (juntamente com "I've Got Dreams to Remember", de Otis Redding) é ainda mais impactante, com quase 10 gloriosos minutos de duração. — Shirley Halperin

84. Pearl Jam, 'Alive' (1991)

https://www.youtube.com/watch?v=qM0zINtulhM

Quando Mike McCready se encontrou pela primeira vez com Stone Gossard e Jeff Ament, do Mother Love Bone — antes de Eddie Vedder entrar em cena — eles tocaram para ele uma versão preliminar intitulada "Dollar Short". "Lembro-me de ouvi-la e pensar: 'OK, isso é legal. O que posso fazer com isso?'", recordou McCready em 2024. "O padrão me levou a tocar o solo de "She", do Ace Frehley, que mais tarde descobri ser o solo de "Five to One", do Robby Krieger". A influência de Frehley e Krieger é clara no solo que ele acabou compondo, mas ele o transformou em algo distintamente seu. E quando Vedder adicionou a letra de sucesso e chamou a música de "Alive", o Pearl Jam nasceu. — AG

83. Talking Heads, 'Born Under Punches (The Heat Goes On)' (1980)

https://www.youtube.com/watch?v=w6T_X7MXg40

O estilo transcendental de Adrian Belew na guitarra o tornou um músico muito requisitado nas décadas de 70 e 80, incluindo apresentações com King Crimson, Frank Zappa e David Bowie. Ele tinha um interesse especial em criar sons que não parecessem vir de uma guitarra, e se superou na obra-prima de 1980 do Talking Heads, Remain in Light (1980), especialmente na faixa de abertura, "Born Under Punches (The Heat Goes On)". Sobre uma base densa e freneticamente funky, ele usou um arsenal de equipamentos para criar sons elípticos que soavam como um modem discado descontrolado ou um sinal de socorro interplanetário. "Gravei um solo de guitarra e depois o processei em um equipamento de estúdio caro chamado Lexicon Prime Time", revelou ele anos depois, "o que me permitiu alterar a largura de banda do som enquanto capturava pequenos loops rápidos com os quais eu podia brincar". — JD

82. Richard and Linda Thompson, 'The Calvary Cross' (Live at the Oxford Polytechnic) (1975)

https://www.youtube.com/watch?v=R8i61cG8Glk

"Comecei a fazer música", Richard Thompson disse certa vez à Rolling Stone, "para não ter que falar com as pessoas". Ele sempre reinou como o herói da guitarra do folk rock britânico, desde sua banda dos anos 60, Fairport Convention, com clássicos mórbidos como "Sloth" e "Meet on the Ledge". Para ele, a música folk era a coisa mais sombria. "Tem mais assassinatos, mais morte, mais do sobrenatural e mais aspereza industrial." Mas esta versão ao vivo de "The Calvary Cross" é o seu ápice, uma sessão espírita de 13 minutos com a Stratocaster, repleta de um temor celta noturno. É do seu show no Oxford Polytechnic em 27 de novembro de 1975 — uma das grandes noites da história da guitarra. (Nem vamos falar de "Night Comes In", do mesmo show — ambas estão no essencial Guitar, Vocal.) Seu solo de tremolo arrepiante é assombrado pelo acordeão, pelas harmonias de sua esposa Linda Thompson e por uma antiga sensação de fatalidade, lançando um feitiço único. — RS

81. MJ Lenderman, 'Knockin' (Single Version)' (2023)

https://www.youtube.com/watch?v=tb47lqqF-v0

Para muitos ouvintes, as reflexões melancólicas do cantor e compositor da Carolina do Norte, MJ Lenderman, praticamente o transformaram no poeta laureado do indie rock dos anos 2020. Como guitarrista, ele é um brilhante herdeiro de grandes nomes do noise pungente como Neil Young e J Mascis. Em "Knockin'", ele entrelaça cenas de tédio típico da faixa dos vinte e poucos anos e desfere um golpe certeiro com uma parte de guitarra que destila a dor de coração e a solidão em forma sonora. Quando Lenderman inicia seu solo, ele o estende como caramelo, fazendo com que cada nota pareça tão envolvente quanto o abraço que seu personagem anseia ao longo da música. — JP

80. Steve Vai, 'For the Love of God' (1990)

https://www.youtube.com/watch?v=F2V9yqfXIf4

Quando Steve Vai lançou Passion and Warfare (1990), ele já havia tocado com Frank Zappa, preenchido o enorme vazio deixado por Eddie Van Halen no grupo pós-Van Halen de David Lee Roth, contracenado com Ralph Macchio no filme de sucesso de 1986, Crossroads (1986), e gravado e feito turnês com os veteranos do hard rock Whitesnake, que acumularam milhões de discos de platina. Dado o alto perfil de Vai, não é surpresa que Passion and Warfare (1990), embora em grande parte instrumental, tenha entrado na parada de álbuns no Top 20. A épica "For the Love of God" ilustra vividamente que Vai não estava apenas no auge de sua visibilidade, mas também no ápice de seu poder criativo. A faixa de seis minutos o mostra explorando o tema lânguido da canção em detalhes antes de mergulhar em um delírio febril, onde vibratos bizarros com a alavanca de vibrato pontuam frases angulares, rajadas de notas com tremolo explodem das caixas de som e passagens descendentes em legato eventualmente trazem Vai (e o ouvinte) de volta à realidade. — Tom Beaujour

79. Yes, 'Starship Trooper' (1971)

https://www.youtube.com/watch?v=Yu9ykgGUm1w

Alguns anos antes de Steve Howe se juntar ao Yes, ele fazia parte da banda britânica de rock Bodast, que lutava para se firmar. O grupo é pouco mais que uma nota de rodapé hoje em dia, mas sua música "Nether Street" — escrita inteiramente por Howe — forneceu a estrutura para a terceira parte de "Starship Trooper" em The Yes Album (1971). Quando Howe passou a trabalhar ao lado de verdadeiros visionários como o baixista Chris Squire, o baterista Bill Bruford e o vocalista Jon Anderson, seu solo de guitarra no final decolou como uma nave espacial entrando no cosmos. Foi o primeiro vislumbre do gênio de Howe para os fãs de rock progressivo. Todos esses anos depois, Howe é o único membro da formação clássica do Yes que ainda permanece na banda. Quase todos os shows terminam com "Starship Trooper", e o solo sempre leva a plateia inteira ao delírio. É o rock progressivo em sua forma mais majestosa. — AG

78. Judas Priest, 'Painkiller' (1990)

https://www.youtube.com/watch?v=nM__lPTWThU

Os riffs impulsionados por bumbo duplo e os tempos alucinantes do álbum Painkiller (1990), do Judas Priest, provaram que a veterana banda de metal ainda era uma força a ser reconhecida. Ansiosos para estabelecer sua relevância em um mundo dominado por uma nova geração de jovens guitarristas virtuosos, Glenn Tipton e KK Downing claramente dedicaram muito tempo ao estudo antes de gravar os solos da implacável faixa-título de "Painkiller". Tipton assume o solo principal (e mais frequentemente analisado) da música, partindo com uma explosão de notas arrebatadoras antes de acionar sua alavanca de vibrato, executando uma sequência de arpejos com hammer-on e palhetadas rápidas até a linha de chegada. Downing, cujo estilo é mais agressivo do que técnico, encerra a música com uma explosão de notas com base no blues, que incorpora bends extremos e harmônicos estridentes de palhetada com um efeito devastador. — TB

77. Albert King, 'Crosscut Saw' (1966)

https://www.youtube.com/watch?v=ue9oHYGEKlU

"Minha música é diferente de qualquer outro guitarrista de blues que você já ouviu", declarou Albert King no final de sua carreira. "Acho que é porque sou canhoto." O pioneiro do blues era um homem enorme, com mãos gigantes, um canhoto que tocava sua Flying V de cabeça para baixo, sem nunca usar palheta. Ele cresceu em uma plantação no Delta do Mississippi, sem eletricidade, aprendendo sozinho a tocar em uma caixa de charutos — "Eu ensaiei sozinho por sete anos antes de tocar com alguém" — e mesmo assim se tornou uma das lendas mais influentes do blues. Como disse Gregg Allman: "Não conheço nenhum guitarrista vivo que não tenha começado sua carreira com Albert." O sucesso da Stax, "Crosscut Saw", mostra o poder de Albert em dobrar as cordas, gravado em Memphis com Booker T. and the MG's. "Isso me dá arrepios", disse Alex Lifeson, do Rush, à Rolling Stone sobre esse solo. "É tudo feeling. O vibrato dele. O jeito que ele toca as notas. Como ele as sustenta." — RS

76. Jimmy Eat World, 'The Middle' (2001)

https://www.youtube.com/watch?v=oKsxPW6i3pM

Com "The Middle", o Jimmy Eat World entregou um hino emo com um toque de rock and roll. No solo da música, Jim Adkins desliza pelos trastes de sua icônica Fender Telecaster, adicionando um toque country que pode ser interpretado como uma referência às raízes do sudoeste americano da banda do Arizona. Adkins credita o guitarrista do Guided by Voices, Doug Gillard, e os "elementos de hammer-on e pull-off" que ele trouxe para a música "I Am a Tree", de 1997, dos heróis do indie rock, como a inspiração para o timbre característico do solo. "Por algum motivo, pensei nisso", disse ele à Entertainment Weekly em 2021. Na mesma entrevista, Adkins revelou que a música quase não tinha um solo: "Acho que não havia um solo de guitarra na demo original… O solo só ficou finalizado quando entramos no estúdio." — Maya Georgi

75. The Cars, 'Just What I Needed' (1978)

https://www.youtube.com/watch?v=Z5-rdr0qhWk

"As chances de eu improvisar um solo que seja melhor do que um em que eu me sentei e trabalhei muito", Elliot Easton disse certa vez à Guitar Player, "são muito pequenas." Essa filosofia produziu um dos solos de guitarra mais memoráveis já gravados, composto como uma canção pop por si só e refinado ao longo de um ano de shows em clubes. Quando o The Cars chegou ao AIR Studios em Londres com o produtor Roy Thomas Baker, cada nota estava definida, com Easton conduzindo as mudanças de acordes em estilo jazzístico, em vez de simplesmente tocar licks pentatônicos. Baker gravou a música em duas pistas com velocidades de fita ligeiramente diferentes, dando-lhe um brilho que todos ainda confundem com um pedal de chorus. Ric Ocasek nunca quis que Easton fosse comercializado como um herói da guitarra, mas os jovens que ainda tentam aprender esse solo nota por nota sabem que ele merecia ser. — BH

74. Sleater-Kinney, 'Let's Call It Love' (2005)

https://www.youtube.com/watch?v=ifD7bJgw0Tc

O Sleater-Kinney sempre encontrou maneiras de subverter os clichês do rock. Começaram como um trio punk desleixado e agressivo, agitando a cena riot grrrl de Olympia, Washington, mas evoluíram para uma temível máquina de rock and roll em álbuns como Dig Me Out (1997). Carrie Brownstein se deleita com seus movimentos de guitarrista virtuosa, orgulhando-se de ser uma das poucas guitarristas capazes de executar um moinho de vento no estilo de Pete Townshend. No entanto, ela, Corin Tucker e Janet Weiss levaram isso ao extremo com a jam ao vivo estendida que finalmente chegou ao The Woods (2005) como a explosiva "Let's Call It Love", com 11 minutos de duração. Ela detona sem piedade em sua Gibson SG. "É uma guitarra demoníaca", disse ela a Marc Maron no WTF. "Eu gosto de uma guitarra que tenha um pouco de agressividade — uma que pareça que, quanto mais forte você toca, mais ela reage." — RS

73. Dale Hawkins, 'Susie-Q' (1957)

https://www.youtube.com/watch?v=8AtV7NTIt9g

James Burton, um prodígio da guitarra da Louisiana de 15 anos, criou o riff enquanto experimentava um lick sinuoso e pantanoso que havia desenvolvido tocando simultaneamente a linha de baixo e a melodia principal, enquanto estalava as cordas de sua Telecaster para criar um som percussivo. A ideia chamou a atenção de seu então colega de banda, Dale Hawkins, que transformou o riff em uma música completa com letras inspiradas em uma paixão local. Quando Hawkins lançou "Susie Q" em 1957, o nome de Burton não constava em lugar nenhum, e ele injustamente nunca recebeu créditos de composição ou royalties. No entanto, foi seu solo econômico, porém hipnótico — uma mistura de country, blues e rockabilly imersa no caldeirão cultural da Louisiana — que ajudou a tornar a música um clássico do rock and roll, um modelo para o "swamp rock" e o primeiro single de sucesso do Creedence Clearwater Revival, quando eles a regravaram em 1968. — JR

72. The Knack, 'Minha Sharona' (1979)

https://www.youtube.com/watch?v=bbr60I0u2Ng

Nunca um solo de guitarra — ou até mesmo uma música inteira — foi tão prejudicado por uma simples edição. A versão de "My Sharona", do The Knack, que você provavelmente ouve no rádio desde 1979, apresenta uma versão criminosamente truncada do solo de Berton Averre — apenas 39 segundos, o suficiente para soltar alguns fogos de artifício, antes do show terminar abruptamente. A versão completa, no entanto, dura um minuto e meio. É uma exibição delirante de pirotecnia power-pop, repleta de tapping fervoroso, bends e licks que saltam entre as notas como um decibelímetro piscando no vermelho. Todos esses são truques clássicos de guitarra, mas, como Averre demonstra, não há nada de errado com os clássicos. Sua interpretação é dinâmica e sua execução, excepcional. Alguns podem achar que um solo de 90 segundos para um hit pop-rock é um exagero, mas Averre merece cada segundo. — Jon Blistein

71. Yeah Yeah Yeahs, 'Maps' (2003)

https://www.youtube.com/watch?v=oIIxlgcuQRU

A música que catapultou os Yeah Yeah Yeahs dos clubes suados de Nova York para as rádios de rock alternativo é uma balada belíssima que, segundo a vocalista Karen O, levou 20 minutos para ser composta. O solo do guitarrista Nick Zinner abre a faixa espectral para o mundo; enganosamente simples em sua estrutura melódica, é notável pela forma como Zinner se entrega completamente a ela, seu timbre formidável adicionando um impacto emocional à já devastadora composição. A música também teve repercussões mais amplas no pop: Max Martin e Dr. Luke praticamente copiaram o solo de Zinner na íntegra para a parte instrumental do megahit de Kelly Clarkson de 2004, "Since U Been Gone", uma cópia tão óbvia que inspirou versões alternativas das duas músicas. "Sabe, não posso dizer que a palavra processo judicial não tenha passado pela minha cabeça, mas ao mesmo tempo... não sei", disse Zinner ao Gothamist em 2006. "Os YYYs definitivamente já roubaram coisas antes... então acho que é karma." — MJ

70. Nirvana, 'Heart-Shaped Box' (1993)

https://www.youtube.com/watch?v=n6P0SitRwy8

"Heart-Shaped Box" é uma representação direta da psique de Kurt Cobain, com imagens de orquídeas carnívoras e cordões umbilicais como forcas (o título foi inspirado por uma caixa em forma de coração que sua esposa, Courtney Love, lhe deu de presente, enquanto o verso "Forever in debt to your priceless advice" deriva de uma carta que Cobain escreveu para ela). O solo em si tem sua própria história: depois que o ícone do noise rock Steve Albini produziu In Utero (1993), o produtor do REM, Scott Litt, foi contratado para remixar "Heart-Shaped Box" e "All Apologies". A releitura comercial de Litt removeu o efeito de guitarra estridente do solo, resultando em um trecho mais limpo e conciso de glória distorcida. Mas se você quer um meio-termo entre os dois, confira as primeiras versões ao vivo do Nirvana, como a apresentação de janeiro de 1993 no Rio de Janeiro — intensa e sublime ao mesmo tempo. — AM

69. Frank Zappa, 'Watermelon in Easter Hay' (1979)

https://www.youtube.com/watch?v=Fn9ZuGquwpQ

Frank Zappa tinha uma relação peculiar com solos de guitarra. Quando atingia o auge em performances incendiárias e impossíveis de replicar, como em "Black Napkins", sua guitarra gaguejava, tagarelava e soluçava sobre ritmos cadenciados, enquanto em canções como "Sleep Dirt", o som parecia se dissolver em uma poça blues. "Watermelon in Easter Hay", no entanto, representa Zappa em sua forma mais tradicional: uma meditação melancólica e humanista sobre progressões de acordes da chamada música de "nova era" em compasso 9/4. Na ópera rock Joe's Garage (1979), é o último solo de guitarra imaginário de Joe antes de ele desistir da indústria musical, e é possível sentir essa dor transparecer na execução de Zappa. "É a melhor música do álbum", o próprio Zappa certa vez afirmou, e ao vivo ela ficava ainda melhor. A versão estendida do bootleg Halloween '78 (1978), na qual Zappa troca solos com o violinista L. Shankar, é simplesmente de tirar o fôlego. — KG

68. Iron Maiden, 'The Trooper' (1983)

https://www.youtube.com/watch?v=X4bgXH3sJ2Q

Embora o uso de ritmos galopantes pelo Iron Maiden seja tão difundido a ponto de ser considerado marca registrada nos círculos do heavy metal, ele se mostra singularmente eficaz em "The Trooper", faixa do quarto álbum da banda, Piece of Mind (1983). Os guitarristas Adrian Smith e Dave Murray lideram o ataque com seus riffs e trinados perfeitamente harmonizados. Smith assume o primeiro solo da música, transitando de bends amplos, semelhantes a um clarim, para uma sucessão mortal de licks velozes de blues e arpejos menores, que ele conclui com uma escala de tercinas. Quase podemos imaginá-lo, junto com sua guitarra, sendo dizimados por projéteis inimigos, e Murray bravamente empunhando o estandarte para continuar a luta. Suas armas de escolha: trinados rápidos, um vibrato estridente e alguns licks de blues bem colocados que utilizam pré-bendings para manter o ouvinte em suspense. — TB

67. Helium, 'XXX' (1994)

https://www.youtube.com/watch?v=VCPfYcLuYkk

Mary Timony cresceu como uma guitarrista virtuosa com formação clássica, da escola Satriani/Vai — mas levou toda essa técnica para tocar na cena hardcore de Washington, D.C. "As pessoas presumiam que eu era namorada de algum membro da banda", disse ela em 1995. "Talvez seja por isso que eu uso a música de uma forma vingativa." Ela fez seu barulho excêntrico com suas bandas indie Helium, Wild Flag e Ex Hex, transitando entre o punk e o prog. Como disse Lindsey Jordan, da Snail Mail — uma de suas alunas de guitarra —, "todo mundo quer ser como ela". "XXX" é um pesadelo selvagem do álbum de estreia do Helium, Pirate Prude (1994), com uma ameaça abrasivamente engraçada no clangor violento. "Eu estava numa fase da minha música em que queria desaprender tudo", disse Timony em 2017. "Eu tocava coisas com um dedo só, dobrava as cordas, desafinava bastante." Para ela, "XXX" foi "quase uma luta minha com a guitarra". É um som poderosamente catártico. — RS

66. Rei Sunny Ade, 'Sunny Ti Die' (1974)

https://www.youtube.com/watch?v=9Gjo4DMKu-I

O Rei Sunny Ade reinou em sua Nigéria natal como mestre da música juju, antes que o resto do mundo descobrisse seu talento. Sua banda de 17 integrantes, a African Beats, era lendária por shows maratonas que duravam até oito horas. Mas ele alcançou o sucesso mundial nos anos 80, com seu estilo polirrítmico iorubá, deixando sua guitarra falar por si. Nenhum músico africano jamais havia causado tamanho impacto global, influenciando bandas como Talking Heads e Phish, além de futuras estrelas do afrobeats como WizKid. "A música juju, lá no início dos anos 20, se desenvolveu a partir da música tocada em santuários", disse Ade à Rolling Stone em 1983. O Rei gravou "Sunny Ti De" repetidamente ao longo dos anos, mas a versão definitiva de 1974 (relançada em The Best of the Classic Years) é a vitrine perfeita para seu dedilhado hipnótico de guitarra, ecoando sobre os tambores falantes. "Eu tenho minha própria visão", disse Ade. "Promover amor e paz." — RS

65. Dick Dale and the Del-Tones, 'Misirlou' (1962)

https://www.youtube.com/watch?v=MXB6T55oytE

A icônica música instrumental de surf rock de Dick Dale, "Misirlou", não contém um solo propriamente dito, mas sim um solo contínuo e autossuficiente: um ataque ininterrupto de palhetadas tremolo extremamente rápidas, escalas exóticas do Oriente Médio e muita reverberação. A canção, cujo autor permanece desconhecido, foi gravada pela primeira vez por músicos folclóricos gregos na década de 1920 e popularizada por meio de interpretações em países árabes, antes de a versão surf rock turbinada de Dale a trazer aos ouvidos ocidentais em 1962, e Quentin Tarantino a eternizar como sinônimo de estilo retrô cinematográfico, tornando-a a trilha sonora da sequência de abertura de Pulp Fiction (1994). A versão de Dale é pura adrenalina desde o início: um turbilhão implacável de propulsão rítmica e amplificação crua — sem verso, sem refrão, sem palavras, apenas uma liberação caótica pura, cortesia da Stratocaster dourada personalizada de Dale, apropriadamente apelidada de "A Besta". — JR

64. Radiohead, 'Paranoid Android' (1997)

https://www.youtube.com/watch?v=fHiGbolFFGw

Se você acha que um single de seis minutos e meio é longo, lembre-se de que a versão original de "Paranoid Android" tinha aproximadamente o dobro da duração. "Originalmente, tinha um solo de órgão Hammond que parecia não ter fim", contou o guitarrista Johnny Greenwood em 2017. "É difícil ouvir sem se agarrar ao sofá para não cair." A parte do órgão acabou sendo substituída por um solo de guitarra mais curto, mas felizmente isso não diminui a ambição prog-rock do destaque do álbum OK Computer (1997). Greenwood continua arrasando na Fender Telecaster Plus, entregando uma torrente turbulenta e imprevisível de notas que combina com os temas da música: repulsa ao consumismo, à política e à alienação moderna em sua forma mais pura. — AM

63. Boston, 'More Than a Feeling' (1976)

https://www.youtube.com/watch?v=t4QK8RxCAwo

"More Than a Feeling" é mais do que um hino do rock dos anos 70 — é uma catedral. A banda Boston foi idealizada por Tom Scholz, engenheiro da Polaroid formado pelo MIT e apaixonado por tecnologia, que fazia experiências em seu estúdio caseiro. Ele transformou seu estilo tecnocrata em um majestoso sucesso de arena. A música transita da beleza acústica proto-REM ao riff de guitarra imaginária proto-Nirvana, mas é o solo que captura a emoção crua da canção. Scholz a constrói em um santuário sonoro de adoração à guitarra, com um brilho celestial no espírito de Pet Sounds (1966). Brad Delp canta sobre se esconder em sua música, sonhando com a Marianne que continua indo embora. O crítico Greil Marcus resumiu perfeitamente: "uma insistência inegável na grandeza da dor e da saudade até mesmo dos jovens mais comuns". Como Scholz contou a Cameron Crowe, da Rolling Stone, seu modelo para o solo foi a estranheza space-pop dos Tornados dos anos 1960, "Telstar", mas "apenas duas pessoas perceberam isso". — RS

62. Eric Johnson, 'Cliffs of Dover' (1990)

https://www.youtube.com/watch?v=aiRn3Zlw3Rw

Embora fosse presença constante em seus shows ao vivo há anos — uma versão instrumental ao vivo chegou a ser incluída em uma edição de 1986 da revista Guitar Player como um flexi-disc —, foi a versão de "Cliffs of Dover" que aparece no álbum Ah Via Musicom (1990), de Eric Johnson, que alcançou platina, que lhe rendeu um Grammy e garantiu seu lugar no firmamento dos deuses da guitarra. A faixa, que Johnson contou à revista Guitar World que "surgiu em cinco minutos — eu estava apenas conectando os pontos", subverte a estrutura tradicional da música ao começar com o que passou a ser considerado o solo mais notável da canção. Executada em um momento de descontração antes da banda entrar em um ritmo acelerado, a introdução ricamente saturada combina bends arrebatadores, padrões pentatônicos em semicolcheias e notas pedal ultrarrápidas, inspiradas no violino, em 25 segundos tão repletos de sons e técnicas inovadoras que inúmeros guitarristas construíram carreiras inteiras reciclando seus riffs. — TB

61. Boris, 'Naki Kyoku' (2003)

https://www.youtube.com/watch?v=fZtLq3HhbqQ

Wata descreveu Boris como "música de cura extrema", com beleza catártica em meio ao turbilhão. Criada em Hiroshima, ela teve aulas de piano antes de se dedicar à guitarra aos 16 anos, inspirada pelo álbum Live at Pompeii (1972), do Pink Floyd. Mas ela é a mestre da guitarra avant-garde no trio japonês de metal experimental Boris, com uma prolífica trajetória de clássicos extremamente influentes como Feedbacker (2003) e Pink (2005), misturando sludge metal com rock psicodélico, shoegaze e drone doom. "Naki Kyoku" é sua obra-prima elegíaca, do álbum Akuma No Uta (2003), um réquiem de desenvolvimento lento e 12 minutos que se traduz como "Canção do Nada". Ela começa com uma introdução suavemente melancólica nos primeiros minutos, antes de explodir em um ataque alucinante, com sua Les Paul preta de 1986 rugindo através de seus amplificadores Matamp e Orange. Como ela diz: "Pegue os sentimentos que ainda não se tornaram emoções, antes que se tornem emoções, e traduza-os em música." — RS

60. Blue Öyster Cult, '(Don't Fear) The Reaper' (1976)

https://www.youtube.com/watch?v=Dy4HA3vUv2c

O riff de abertura arrepiante da ode do Blue Öyster Cult a Romeu e Julieta, à morte e ao amor é lendário, ainda um dos momentos mais imediatamente reconhecíveis no rádio do rock clássico. No entanto, é apenas um prelúdio para o solo, tocado em uma única tomada possuída pelo compositor e vocalista da música, Buck Dharma. "(Don't Fear) The Reaper" constrói a tensão por dois minutos e meio assombrosos e então para abruptamente, seguido por um solo ao mesmo tempo precisamente orquestrado, operísticamente explosivo e absolutamente arrepiante — não apenas um momento de execução diabólica em estúdio, mas também de grande drama, incorporando perfeitamente uma sensação de terror que até então só havia sido sugerida na música. Ouvida nas circunstâncias certas (talvez em uma barraca no quintal, ouvindo rádio em 1976), poderia fazer você pensar que a morte também estava vindo atrás de você. — JD

59. The Pretenders, 'Tattooed Love Boys' (1980)

https://www.youtube.com/watch?v=yog-meAq1so

Emergindo do declínio da ascensão do punk britânico, o trabalho de guitarra de James Honeyman-Scott no álbum de estreia dos Pretenders, de 1980, é uma sequência frenética e fragmentada de movimentos virtuosos, culminando em uma montagem estroboscópica de um solo. Improvisado no corredor pouco antes da gravação, o dramatismo resultante — completo com uma ponte instável — rompe com o passado, enquanto acompanha cada rosnado da vocalista Chrissie Hynde. Honeyman-Scott, que morreu de overdose em 1982, tinha uma atitude punk em relação aos seus solos de guitarra. "Eu odeio solos, na verdade", disse ele em 1981. "Gosto de fazer algo que te faça assobiar. Algo curto." — SH

58. Deep Purple, 'Highway Star' (1972)

https://www.youtube.com/watch?v=UAKCR7kQMTQ

O solo de guitarra de Ritchie Blackmore em "Highway Star" começa como uma figura de jazz ligeiramente excêntrica antes de se desenvolver em uma frase lírica comovente e explodir em uma fuga de tercinas que soa mais como Bach do que blues. Isso deu à música um senso de melodia de maneiras que o vocalista Ian Gillan não conseguia. O guitarrista sempre disse que, embora o hard rock seja essencialmente música derivada do blues, ele se inspirou mais na música clássica do que no blues, e a novidade de usar escalas harmônicas completas em vez de apenas escalas pentatônicas diferenciou o Deep Purple de seus contemporâneos do proto-metal, Led Zeppelin e Black Sabbath, e abriu caminho para guitarristas como Randy Rhoads e Yngwie Malmsteen, que também tinham um profundo conhecimento de música clássica. — KG

57. Brian Eno, 'Baby's on Fire' (1973)

https://www.youtube.com/watch?v=nItuhuY1U04

Robert Fripp estava frustrado com a dinâmica interna do King Crimson quando Brian Eno o convidou para tocar em seu álbum de estreia solo, Here Come the Warm Jets (1974). É possível sentir essa frustração no grito cortante do solo de guitarra que ele executou para essa música, entregando três minutos de virtuosismo instrumental furioso. "Eu tinha acabado de desembarcar de um voo vindo dos Estados Unidos", disse Fripp mais tarde. "Eu estava com gripe. Estava exausto. Estava péssimo e, mesmo assim, o solo estava pegando fogo. Não importa como você se sinta." Fripp e Eno haviam começado a colaborar dois anos antes no marco da música ambiente No Pussyfooting (1973), usando loops de fita com delay para criar o som abrasador e espacial do "Frippertronics", que Fripp posteriormente aplicaria em álbuns de David Bowie, The Roches e outros. Mas esse solo permanece um dos pontos altos mais memoráveis do trabalho conjunto deles. — Simon Vozick-Levinson

56. Link Wray, 'Rumble' (1957)

https://www.youtube.com/watch?v=ucTg6rZJCu4

Desde o primeiro acorde dedilhado por Link Wray, "Rumble", de 1958, soa como uma briga de rua prestes a acontecer, e das piores. Por isso, segundo a lenda, o instrumental com distorção pesada foi banido das rádios. Hoje em dia, está consagrado tanto no Hall da Fama do Rock and Roll quanto na Biblioteca do Congresso, e é considerado o grande marco do power chord. De acordo com Wray, a música foi inspirada por uma briga. "Era um pequeno instrumental que eu tocava quando fazia bailes com um DJ de TV em Washington, D.C.", disse ele em uma entrevista de 1984. "Uma briga começou, e eu comecei a tocar um instrumental para acompanhar a briga. Todo mundo começou a dizer: 'Ei, cara, toca essa música de novo'. Mas eu não sabia o que estava fazendo, só estava tirando sarro da briga." — Joseph Hudak

55. Dinosaur Jr., 'Freak Scene' (1988)

https://www.youtube.com/watch?v=5eO6up9Gpv0

O Dinosaur Jr. lançou "Freak Scene" em 1988, antes mesmo dos termos "alternativo" e "grunge" serem associados à música. Mas foi um grande passo para longe das raízes lo-fi da banda, em direção aos discos mais acessíveis que lançariam na década de 1990. E a grandeza da banda em qualquer época está capturada no solo de guitarra, uma fusão selvagem de Neil Young e Kevin Shields que flui dos dedos de J Mascis. Praticamente a única pessoa que não se impressionou, pelo menos a princípio, foi o baixista do Dinosaur Jr., Lou Barlow, que deixou a banda logo após o sucesso da música. "Minha primeira impressão foi: 'Nossa, o J está mirando muito baixo nessa'", disse Barlow em 2025. "Eu geralmente não criticava suas composições, pois meio que idolatrava sua habilidade, mas era muito simples comparado a essas epopeias instrumentais que ele estava criando." — AG

54. Freddie King, 'Going Down' (1971)

https://www.youtube.com/watch?v=KjFjaAbYizs

Enquanto os outros dois reis da guitarra blues, Albert e B.B., vieram do Delta do Mississippi, Freddie King cresceu a centenas de quilômetros de distância, no leste do Texas. Mas, assim como os outros dois, ele idolatrava seu conterrâneo texano T-Bone Walker e criou seu próprio som de bending notes, extremamente influente. Freddie emplacou uma série de clássicos dos anos 1960, como "Hideaway" e "The Stumble", venerados por jovens discípulos ingleses como Eric Clapton, que sempre chamou King de seu deus original da guitarra. Mas o "Cannonball do Texas" atingiu novos patamares com "Going Down", com o pianista Leon Russell — seu solo é a essência da pura arrogância do blues. A música se tornou o tema de Kenny Powers em Eastbound and Down (2009). Ainda mais legal, era a música favorita de John Bonham, o que diz tudo. "Meu pai sempre tocava 'Going Down', do Freddie King", lembrou Jason Bonham certa vez, "a ponto de ficar realmente irritante. Se eu ouvi essa música uma vez, ouvi um milhão de vezes." — RS

53. Mdou Moctar, 'Afrique Victime' (2021)

https://www.youtube.com/watch?v=hppSIHl2tp0

Inspirado tanto por Eddie Van Halen quanto pelos guitarristas tuaregues de seu Níger natal, Mdou Moctar é um dos maiores guitarristas do século XXI — e seu solo hipnotizante na faixa de blues do deserto "Afrique Victime" é um exemplo perfeito disso. Ao longo dos sete minutos da música, o ritmo aumenta gradativamente enquanto Moctar lamenta a cicatriz eterna do colonialismo francês no Níger. Quando ele inicia seu solo, a sensação é de estar voando em velocidade de dobra em direção ao sol do deserto. Ele toca seu solo como se estivesse digitando freneticamente em um computador, deslizando para frente e para trás e percutindo as cordas, distorcendo os timbres do instrumento para imitar o som estridente de uma sirene. O solo em "Afrique Victime" é frenético, porém libertador — não é à toa que ele é frequentemente chamado de Hendrix do Saara. — JP

52. Fleetwood Mac, 'Albatross' (1968)

https://www.youtube.com/watch?v=fXeKi6ZkbOw

Peter Green foi o gênio da guitarra do Fleetwood Mac, muito antes dos tempos de Stevie Nicks e Lindsey Buckingham. Ele surgiu na cena blues londrina com a melancolia pungente de "Man of the World" e "Love That Burns". Sua fantasia espacial e melancólica "Albatross" alcançou o primeiro lugar no Reino Unido — tão boa que os Beatles a usaram em Abbey Road (1969), transformando-a em "Sun King". Green tinha um timbre único — ele acidentalmente instalou o captador de sua Les Paul Standard de 1959 ao contrário, mas a manteve porque adorava o som. (Sua guitarra agora pertence ao superfã Kirk Hammett.) Mas, no auge de sua carreira, ele teve um colapso trágico relacionado ao LSD e desapareceu. Quando sua antiga banda retornou com Rumours (1977), ele estava dormindo nas ruas. "A guitarra costumava falar por mim, mas não posso mais deixar que ela faça isso", disse Green no documentário Man of the World (2022). "Não posso deixar que ela quebre meu coração novamente." — RS

51. The Byrds, 'Eight Miles High' (1966)

https://www.youtube.com/watch?v=NxyOhFBoxSY

"Foi nossa tentativa de tocar jazz", disse Roger McGuinn sobre "Eight Miles High". Em 1966, essa era uma ideia radical e, inspirados pelos spirituals de saxofone de John Coltrane e pelo grande Ravi Shankar no sitar, os Byrds alçaram voo direto para a estratosfera. A letra fala sobre voar de avião sobre Londres (ou será que não?), as harmonias vocais são belamente misteriosas, e o solo de saxofone elétrico de 12 cordas de McGuinn é uma declaração perfeita de possibilidades alucinantes, riachos de notas fluindo, se agrupando e se desfazendo, concebidos para imitar a sensação do saxofone de Coltrane. "O fluxo contínuo de ar em um saxofone com as válvulas o interrompendo é o que eu estava fazendo com o sustain", disse ele mais tarde, "e fazendo notas curtas, como cliques, na quebra." — JD

50. St. Vincent, 'Rattlesnake' (2014)

https://www.youtube.com/watch?v=wZkP0HLShMc

Annie Clark, da banda St. Vincent, abre seu álbum homônimo, St. Vincent (2014), com "Rattlesnake", sobre um encontro com uma cascavel enquanto caminhava nua em um rancho no oeste do Texas. "Foi assustador pra caralho", disse ela à Rolling Stone. A música é espaçosa e sinistra, e seu solo — tocado em sua guitarra Ernie Ball Music Man, sua marca registrada — canaliza essa sensação em riffs violentos e emocionantes, que parecem oscilar entre a liberdade desenfreada e a desgraça iminente. "Muitos dos meus heróis da guitarra são anti-heróis da guitarra, como [Robert] Fripp, [Adrian] Belew, Marc Ribot", disse ela. "O tipo de pessoa que faz os pelos da sua nuca se arrepiarem, porque a nota é, tipo, dolorosa." — JD

49. Sonic Youth, 'The Diamond Sea' (1995)

https://www.youtube.com/watch?v=v_4e8Tq-CKQ

Os guitarristas gêmeos do Sonic Youth, Lee Ranaldo e Thurston Moore, sempre foram improvisadores destemidos, desde os seus primórdios no cenário avant-punk e experimental de Nova York. Mas Ranaldo era um Grateful Dead de coração, e esse lado do Sonic Youth floresceu em álbuns dos anos 1990 como Washing Machine (1995) e A Thousand Leaves (1998). "The Diamond Sea" era uma tempestade de 20 minutos de improvisação livre que seguia um caminho diferente a cada noite. "Usávamos muito a palavra 'extrapolações' — como um ponto de partida para a exploração", disse Ranaldo. "E isso é muito parecido com o Grateful Dead. Não é a única coisa assim: poderia ser algo como John Coltrane ou Albert Ayler. Esses artistas faziam a mesma coisa — começavam com a ideia principal, se perdiam por 20 minutos e depois retornavam a ela." John Oswald, o produtor de 'plunderphonics' que mixou "Dark Star" do Grateful Dead em Grayfolded (1995), está dando o mesmo tratamento ao Sonic Youth, distorcendo 32 versões ao vivo diferentes no próximo Diamond Seas (2025). — RS

48. Joe Satriani, 'Surfing With the Alien' (1987)

https://www.youtube.com/watch?v=U5t2kDqvoYY

Se existe um Yoda da guitarra shred, esse certamente é Joe Satriani, cuja lista de alunos ilustres inclui mestres do braço da guitarra como Steve Vai, Kirk Hammett do Metallica e Alex Skolnick do Testament. Seu álbum Surfing With the Alien (1987) tornou-se indispensável para todos os aspirantes a guitarristas da época e recebeu certificado de ouro. "A faixa-título do álbum foi feita sob muita pressão, porque nos atrasamos para sair do estúdio naquele dia", disse Satriani à Eon Music. Ele ainda soa tão tranquilo quanto um pepino, deslizando com máxima contenção enquanto usa um pedal wah-wah para extrair expressividade vocal de sua guitarra. Conforme a música avança, ele aumenta a contagem de notas por segundo com tapping extremamente rápido e passagens neoclássicas ágeis, não deixando dúvidas de que ele é tão mestre quanto qualquer um de seus alunos mais brilhantes. — TB

47. Howlin' Wolf, 'Spoonful' (1960)

https://www.youtube.com/watch?v=4fjviTLYqoc

Howlin' Wolf criou um blues maligno à sua maneira — mas a ameaça em sua música vinha de seu braço direito, Hubert Sumlin, que evocava aqueles sons de guitarra aterrorizantes. Outros guitarristas pronunciam seu nome com uma reverência rara. "Eu adoro Hubert Sumlin", disse Jimmy Page certa vez. "Ele sempre tocava a coisa certa ao mesmo tempo." Ele ecoava o rosnado de Wolf com riffs sombrios como "Smokestack Lightning" e "Killing Floor", bem como solos cortantes como "Spoonful". Ele era apenas um garoto quando conheceu Wolf pela primeira vez — entrando escondido em um de seus shows — mas se tornou seu guitarrista em 1954, a dupla cantor/guitarrista mais icônica da história do blues. "Éramos como pai e filho, embora tivéssemos brigas terríveis", lembrou Sumlin. "Ele arrancou meus dentes e eu arranquei os dele. Nada disso importava; sempre fazíamos as pazes." — RS

46. The Rolling Stones, 'Sympathy for the Devil' (1968)

https://www.youtube.com/watch?v=GgnClrx8N2k

A visão dos Stones sobre um mundo à beira do colapso em 1968 apresenta um solo de Keith Richards austero, minimalista e a própria definição de elegância simples. A maneira como ele interrompe e deixa espaços entre as primeiras explosões! Aquelas notas agudas dobradas! Aquela rápida sequência que soa como um pedido de socorro bem antes da banda retornar ao refrão! É o tipo de solo que irrompe no meio da música, mas nunca se torna um espetáculo virtuoso e extravagante que a ofusca. Questionado em 1969 pela Rolling Stone sobre o álbum Let It Bleed (1969), que estava por vir, Richards observou que havia muito uso de bottleneck nele, acrescentando: "Eu realmente me prendi a isso quando estávamos gravando 'Sympathy for the Devil'." Suas preocupações, no entanto, valeram a pena. A majestade satânica daquele solo ainda inspira admiração — e alguns arrepios. — DF

45. The Velvet Underground, 'I Heard Her Call My Name' (1968)

https://www.youtube.com/watch?v=fEWkHAIQ3gs

Quando fundou o Velvet Underground, Lou Reed já dominava todos os ritmos do rock and roll — Bo Diddley e Chuck Berry, surf music, doo-wop, rockabilly e R&B — a ponto de conseguir tocar qualquer estilo musical e imprimir-lhe uma vibração visceral. Mas ele realmente se superou em "I Heard Her Call My Name", a explosão de feedback do álbum avant-punk dos Velvets, White Light/White Heat (1968). Ele se inspirou no free jazz, dizendo: "Eu estava ouvindo muito Cecil Taylor e Ornette Coleman, e queria algo parecido com uma pegada rock and roll." No clímax, Reed declara: "E então minha mente explodiu!" — e mergulha no solo alucinante que inspirou inúmeras bandas de noise, enquanto Sterling Morrison, Mo Tucker e John Cale martelam a batida primitiva. É o momento mais alto, mais visceral e mais alucinante dos Velvets. — RS

44. Rage Against the Machine, 'Killing in the Name' (1991)

https://www.youtube.com/watch?v=bWXazVhlyxQ

Antes mesmo de o Rage Against the Machine fazer um único show ao vivo, eles já tinham a base de seu single de estreia, "Killing in the Name", um hino geracional que permanece como sua obra-prima e a única de seu catálogo a ultrapassar um bilhão de reproduções no Spotify. O riff principal surgiu para Tom Morello quando ele dava aulas de guitarra para pagar as contas. "Eu estava ensinando um garoto a afinar em Drop D", lembrou Morello em 2025. "E aí eu pensei: 'Espera aí'. Peguei meu gravadorzinho de fita cassete, apertei o botão de gravar e guardei a gravação para mim." A música atinge o ápice com um solo de guitarra caótico que soa como se Morello tivesse fundido seu instrumento com um toca-discos. O segredo para reproduzir esse som: ajuste seu pedal whammy duas oitavas acima. — AG

43. Wilco, 'Impossible Germany' (2007)

https://www.youtube.com/watch?v=WBpDs-BfwO0

É difícil pensar em um guitarrista do século XXI mais associado a um solo específico do que Nels Cline a "Impossible Germany", um pilar de qualquer show ao vivo do Wilco. Cline já disse que não gosta muito do timbre do solo ("um pouco agudo demais para o meu gosto", disse ele certa vez), mas quase todas as noites no palco, ele expande o transe onírico da execução de dois minutos e meio na versão de estúdio de 2007 do álbum Sky Blue Sky (2007) (para uma interpretação particularmente reveladora e prolongada, confira a versão do festival Solid Sound de 2024). Todos, desde o cantor e compositor Jay Som até os aficionados por jam bands, se apaixonaram pelo solo de Cline, que mergulha, voa e brilha sem nunca se afastar muito da música, antes de se entrelaçar com o riff principal da canção, tocado por Jeff Tweedy e Pat Sansone. É o ponto alto de qualquer show do Wilco, e por um bom motivo. — Jonathan Bernstein

42. The Band, 'It Makes No Difference' (de The Last Waltz) (1976)

https://www.youtube.com/watch?v=Q7yOGAmItFY

O solo de Robbie Robertson em "It Makes No Difference", especialmente na versão de The Last Waltz (1976), é uma aula magistral de tom e atmosfera. Ele surge bem no final da balada, definida até então pelos vocais devastadores de Rick Danko, uma performance impressionante que Robertson reproduz com a sua própria. Em vez de se lançar em uma torrente de lágrimas, Robertson atinge notas staccato incisivas que perfuram o coração. Sua guitarra parece quebrar, vacilar e tropeçar, não muito diferente de Danko enquanto se esforça para alcançar versos como "Bem, eu te amo tanto/E é tudo o que eu posso fazer". Tão crucial quanto o solo é a forma como ele se complementa com o saxofone de Garth Hudson na parte final. Se Robertson dá voz às mil feridas da dor, Hudson empresta a "It Makes No Difference" o soluço catártico que ela merece. — J. Blistein

41. Elvis Presley, 'That's All Right' (1954)

https://www.youtube.com/watch?v=DCP_g7X31nI

A versão acelerada de Elvis Presley para "That's All Right", música jump blues de Arthur "Big Boy" Crudup, gravada em 1954, ajudou a definir o som e o espírito do rock and roll, e grande parte de sua grandeza se deve ao solo de guitarra de Scotty Moore. Gravado durante um intervalo no Sun Studios em Memphis e, posteriormente, a pedido de Sam Phillips, chefe da Sun, que adorou o que ouviu, a interpretação de Presley é sedutora e animada, e Moore responde com riffs de rockabilly igualmente divertidos. "Bill [Black] começou a tocar o baixo com slap. E o som estava muito bom, então eu também comecei a tocar uma espécie de ritmo com eles", lembrou Moore mais tarde. É um momento despretensioso que mudou a história. — JD

40. Bonnie Raitt, 'Three Time Loser' (1977)

https://www.youtube.com/watch?v=Z21q5_kycN0

Não há nada de teatral, exibicionista ou egocêntrico na guitarra slide dançante de Bonnie Raitt nesta incursão de R&B, originalmente imortalizada por Wilson Pickett na década de 1960. Raitt gravou a música pela primeira vez em seu clássico de 1977, Sweet Forgiveness (1977), e desde então a transformou em um número de destaque em seus shows ao vivo (veja Raitt se soltar nesta versão de 1989 ou em sua interpretação vibrante no programa Jools Holland). O solo de slide é todo staccato com paradas e arranques e ritmo preciso; termina quase antes de você perceber que começou. "Eu aprendi a tocar sozinha", disse Raitt certa vez sobre seu estilo característico de slide, "então as posições das minhas mãos não são 100% corretas — e eu coloco o gargalo do slide no dedo errado". — J. Bernstein

39. Phish, 'Stash' ('A Live One') (1995)

https://www.youtube.com/watch?v=1BJlSU308Wc

A Live One (1995), o primeiro lançamento ao vivo oficial do Phish, captura versões excelentes do repertório clássico da banda, repletas de alguns dos solos mais incendiários de Trey Anastasio. Ele é mais melódico em outras faixas, mas "Stash" se destaca por sua execução agressiva e ousada. A música começa com a formalidade de um quarteto de cordas, com cada membro da banda tocando partes bem definidas, antes de Anastasio e o tecladista Page McConnell começarem a desvendar os mistérios. O guitarrista então explode com uma intensidade vertiginosa, tocando um lick repetitivo que leva a banda rumo ao espaço sideral. À medida que a intensidade aumenta, eles se aproximam da ruptura, antes de retornarem ao riff e ao vocal em grupo e pousarem a nave em segurança. É o tipo de interação em grupo e improvisação ousada, fruto de uma composição precisa, que representa o Phish em seu melhor momento de inspiração. — Alan Paul

38. B.B. King, 'Sweet Sixteen' (1970)

https://www.youtube.com/watch?v=bIwZnT-qbgg

Quando B.B. King surgiu na década de 1950, ele transformou a maneira como as pessoas ouviam a guitarra. Como disse Buddy Guy, "Antes de B.B., todo mundo tocava guitarra como se fosse um violão". King mudou isso com sua performance virtuosa de bends em "Lucille", a Gibson que ele conseguia fazer vibrar como uma mulher de verdade. Ele adotou o estilo blues de seu ídolo T. Bone Walker, mas o refinou em sucessos como "Sweet Sixteen", fazendo com que todos quisessem tocar como ele. "Todo guitarrista elétrico que você ouve tem um pouco de B.B. ali", disse Guy. "Ele foi o pai de esticar as cordas na guitarra elétrica". "Sweet Sixteen" foi o retorno triunfal de King em 1960, após uma série de baladas pop fracassadas, reconquistando seu trono no blues com sua execução mais intensa e visceral. Ele fez uma apresentação épica no famoso combate "Rumble in the Jungle" entre Muhammad Ali e George Foreman, em 1974, no Zaire, onde sua guitarra fez Ali pular da cadeira. — RS

37. Rush, 'Limelight' (1981)

https://www.youtube.com/watch?v=ZiRuj2_czzw

As contribuições de Alex Lifeson para o Rush são indispensáveis, como ele demonstra em "Limelight", o primeiro single do álbum Moving Pictures (1981), que definiu a carreira da banda. O timbre encorpado e os acordes de potência brilhantes de Lifeson conferem ao riff introdutório e aos versos da faixa — ambos executados em compassos ímpares — uma força digna de arena rock, e sua abordagem lírica e senso de economia inabalável são o que tornam o solo de "Limelight" tão evocativo. Lifeson começa com uma série de notas sustentadas e feedback controlado, tudo manipulado com vibratos e mergulhos perfeitamente controlados na alavanca de tremolo, e só então mergulha em uma série de padrões de escala ascendentes que culminam em um bend estridente no registro agudo. "O solo reflete o caráter emocional da música", disse Lifeson no podcast Shred With Shifty, do guitarrista do Foo Fighters, Chris Shiflett. "A sensação de desconexão de viver uma vida em um palco e a solidão que a acompanha". — TB

36. The Kinks, 'You Really Got Me' (1965)

https://www.youtube.com/watch?v=fTTsY-oz6Go

Ray Davies compôs originalmente "You Really Got Me" no piano, mas quando a música ficou pronta, os Kinks já haviam criado um rock insano com um som de guitarra distorcido que transformou para sempre o futuro da música. O riff de abertura é lendário, e o solo selvagem e estridente de Dave Davies trouxe um novo tipo de caos ao rock. Eles conseguiram aquele som áspero quando Dave cortou seu amplificador com as agulhas de tricô da mãe. Não é de se admirar que, pouco mais de uma década depois, o Van Halen tenha escolhido incluir uma versão californiana de "You Really Got Me" em seu álbum de estreia. É ali que nasceu o estrondo exagerado do heavy metal. — JD

35. The White Stripes, 'Ball and Biscuit' (2003)

https://www.youtube.com/watch?v=xMr86enHvGo

Poderíamos argumentar que todos os sete minutos e 18 segundos de "Ball and Biscuit" contam como um longo solo, ou uma série deles entrelaçados para formar uma colcha de retalhos incrível de blues-rock. Jack White aumenta a distorção com um pedal Big Muff, deixando transbordar distorção e notas estridentes, que contrastam com suas letras faladas e inabaláveis. Enquanto isso, Meg White é a espinha dorsal, apoiando-o nessa jornada selvagem com uma bateria minimalista, porém fervorosa. É um trabalho em equipe de uma das maiores duplas do rock, tornando-se não apenas a peça central de Elephant (2003), mas a declaração definitiva do White Stripes — uma que Bob Dylan amou tanto que insistiu em tocá-la ao vivo com White em 2004. -AM

34. Sister Rosetta Tharpe, 'Strange Things Happening Every Day' (1944)

https://www.youtube.com/watch?v=-88l-M0KgkI

Alguns podem considerá-la o primeiro solo de guitarra do rock and roll. Outros simplesmente a consideram a primeira canção de rock and roll. Lançada em 1944, "Strange Things Happening Every Day" foi o primeiro sucesso crossover de Sister Rosetta Tharpe, do gospel ao R&B, ou o que Billboard então chamava de "músicas para pessoas de cor". Se ela tivesse gravado apenas essa música, sua influência no rock and roll seria impossível de superestimar, principalmente por causa da emoção, fúria e êxtase contidos que ela capturou em seu solo de guitarra de apenas 25 segundos. E nesses 25 segundos, você pode ouvir o alvorecer emocionante de uma nova era, da vida americana do pós-guerra: "Sua abordagem rítmica", escreve James Perone em seu livro Listen to Soul!, "se encaixa no meio do caminho entre a sensação swing baseada em tercinas do resto da banda e as semicolcheias retas que começaram a marcar a música rock and roll". — J. Bernstein

33. Dire Straits, 'Sultans of Swing' (1978)

https://www.youtube.com/watch?v=h0ffIJ7ZO4U

Nos anos 70, os sucessos do rock com guitarra quase sempre buscavam um som alto, grandioso e potente, capaz de lotar arenas. Mark Knopfler, do Dire Straits, seguiu uma direção diferente com sua execução ágil, intrincada e dedilhada, além do som brilhante e limpo que extraía de sua fiel Fender Stratocaster de 1961 em "Sultans of Swing". Seu primeiro solo é uma beleza etérea e precisa de 30 segundos que, por vezes, soa quase como um boogie blues tocado em uma steel guitar. O segundo é um relâmpago tranquilo que culmina em arpejos flamejantes. Mas mesmo quando as notas estão voando freneticamente, sua execução soa calma, cuidadosa e coloquial. Foi a apresentação do Dire Straits para grande parte do mundo e se tornaria seu maior sucesso por anos. "Quanto ao solo em si", lembrou Knopfler, "era mais ou menos o que eu tocava todas as noites". — JD

32. The Beatles, 'Something' (1969)

https://www.youtube.com/watch?v=UelDrZ1aFeY

Bastam 26 segundos de uma distorção suave e discreta — tocada pelo próprio mestre da guitarra, George Harrison, em timbres mais próximos de um piano — para criar um dos solos mais dinâmicos e memoráveis do repertório dos Beatles. Complementada por cordas exuberantes, "Something" é, bem, algo surpreendente em sua simplicidade. "O material do George não recebeu muita atenção — a ponto de ele me pedir para ficar depois que [todos os outros tivessem ido embora]", disse o engenheiro de som Glyn Johns, que gravou a demo da música. "Ele foi incrivelmente gentil, como se estivesse me incomodando. E então ele toca essa música que simplesmente me impressiona". — SH

31. Black Sabbath, 'War Pigs' (1970)

https://www.youtube.com/watch?v=LQUXuQ6Zd9w

Tony Iommi sempre afirmou que não compôs os riffs e solos canônicos do Black Sabbath, mas sim os concebeu através de extensas improvisações baseadas em uma atmosfera específica. E quase sempre, essa atmosfera era sombria. O clássico hino anti-guerra da banda, "War Pigs", de 1970, começa com um zumbido de guitarra sombrio e sirenes de ataque aéreo para ambientar a cena, mas é o solo altamente evocativo de Iommi que realmente captura a vibração apocalíptica da música. Conhecido por evitar demonstrações técnicas em favor da criação de uma atmosfera cinematográfica e densa, Iommi inicia o solo com seu blues característico em tom menor e arrastado, mas seu estilo cru e improvisacional leva a uma enxurrada caótica e desorientadora de notas distorcidas e feedback sustentado que captura o medo e a confusão da época e dá vida vividamente à letra brutal de Geezer Butler. — JR

30. The Isley Brothers, 'That Lady, Pts. 1 & 2' (1973)

https://www.youtube.com/watch?v=S1Mvy3E8P2U

Pode-se dizer que Ernie Isley nasceu para ser o herói da guitarra — ele cresceu como o caçula da família, vendo seus irmãos mais velhos reinar como um dos maiores grupos de R&B dos anos 60. Por alguns anos, no início da década de 60, o guitarrista de turnê dos Isleys morou na casa da família: uma futura superestrela chamada Jimi Hendrix. Mas eles elevaram o nível quando Ernie se juntou à banda, ainda adolescente. "That Lady" era onipresente no verão de 1973, um sucesso soul sedutor impulsionado pela Stratocaster de Ernie, no estilo Jimi, com distorção e um pedal Big Muff e um modulador de fase Maestro PS-1A. Quando gravou a música, sua primeira reação foi: "Toquei a coisa errada". Mas no dia seguinte, ele perguntou: "Do que eu estava falando mesmo?". O solo se tornou um marco do hip hop, sampleado em clássicos dos Beastie Boys ("A Year and a Day") e Kendrick Lamar ("i"). — RS

29. The Rolling Stones, 'Can't You Hear Me Knocking' (1971)

https://www.youtube.com/watch?v=nkQ0LhcTNsY

O momento decisivo da passagem de cinco anos de Mick Taylor pelos Rolling Stones aconteceu quase por acaso durante as sessões de gravação de Sticky Fingers (1971), em 1970. "Nem sabíamos que ainda estavam gravando", Keith Richards relembraria mais tarde. "Pensávamos que tínhamos terminado". Em vez disso, a fita continuou rodando, capturando a fantástica odisseia rítmica que encerra a música, com o jovem de 21 anos se destacando em proporções quase de Santana. "Gosto de pensar que acrescentei um tempero extra", disse Taylor. "Charlie Watts disse que eu trouxe 'finesse'. Concordo com o que Charlie disse". — Simon Vozick-Levinson

28. Santana, 'Black Magic Woman' (1970)

https://www.youtube.com/watch?v=9wT1s96JIb0

Grande parte do estilo de guitarra de Carlos Santana vem de sua ampla e diversificada gama de influências: ele aprendeu a tocar com seu pai, um músico mariachi, e logo incorporou influências do jazz latino e do blues, resultando em uma maneira quase sobrenatural e completamente fluida de tocar. Muito disso define o solo de "Black Magic Woman", o clássico do blues escrito por Peter Green e popularizado inicialmente pelo Fleetwood Mac. Nas mãos habilidosas de Santana, a música ganhou uma explosão de energia, misturada à percussão conduzida por congas. O som deu à música um novo poder, preservando o solo dinâmico de Green e adicionando o toque de Santana — clássico, natural e com uma leve pausa no ritmo. — Julyssa Lopez

27. Metallica, 'One' (1988)

https://www.youtube.com/watch?v=WM8bTdBs-cw

Tudo o que Kirk Hammett sabe sobre guitarra reside no segundo solo do grande sucesso do Metallica, "One": tercinas dedilhadas em ricochete, acordes jazzísticos diminutos, bends de blues, efeitos wah-wah expressivos. Seu jeito de tocar reflete cada lição que aprendeu como aluno de Joe Satriani e sua própria engenhosidade enquanto aprimorava suas habilidades com o Metallica, contrapondo a melodia de seu solo em "Fade to Black" à intensidade de "Master of Puppets". "Perdi muitas noites de sono por causa daquele conjunto de solos de guitarra", disse Hammett certa vez à Guitar World. "O solo principal no final, com a mão direita, no estilo Eddie Van Halen, surgiu quase que imediatamente... O que estava acontecendo com a seção rítmica naquela parte da música era simplesmente muito, muito empolgante para eu improvisar". É ainda mais empolgante ouvi-lo ao vivo. — KG

26. Cream, 'Crossroads' (1968)

https://www.youtube.com/watch?v=7HfkSzsyh1E

Quando o power trio Cream tocou sua versão da música no Winterland Ballroom em 1968 — a versão que aparece em seu terceiro álbum, Wheels of Fire (1968) — o solo que Eric Clapton apresentou foi suficiente para fazer você pensar que talvez o grafite não fosse tão exagerado quanto você imaginava. Quando ele ataca o segundo dos dois solos instrumentais da música — ou seja, a seção em grande parte improvisada que começa aos 2:30 — é como se toda a revolução do blues britânico dos anos 60 atingisse seu ápice e explodisse em chamas. Toda uma geração de fanáticos por rock americano percebeu, enquanto legiões de aspirantes a guitarristas de todo o mundo tomavam notas detalhadas. Quando perguntado sobre seu amor pelo solo durante uma entrevista, Eddie Van Halen o tocou nota por nota de cabeça. — DF

25. Guns N' Roses, 'Sweet Child O' Mine' (1987)

https://www.youtube.com/watch?v=D2gWc5Sw75w

O riff que introduz o single de sucesso do Guns N' Roses pode ser icônico, mas é o solo de Slash que dá a "Sweet Child O' Mine" sua alma e coração. Tão lírico quanto os vocais suaves de Axl Rose nos versos, é um timbre limpo e cristalino de Les Paul que cresce lentamente até uma explosão de distorção bluesy. É também a única parte da faixa do álbum Appetite for Destruction (1987) que Slash gosta — ele frequentemente critica "Sweet Child" por ser uma balada demais. "Realmente me incomodou", disse ele certa vez à Guitar Center. "Eu entrei com as mudanças de acordes para o solo, que para mim foi a única parte que se salvou na música". — JH

24. Television, 'Marquee Moon' (1977)

https://www.youtube.com/watch?v=g4myghLPLZc

O Television era a banda de guitarra definitiva de Nova York, explorando um novo tipo de psicodelia punk na sujeira urbana. Com Tom Verlaine na Fender Jazzmaster e Richard Lloyd na Stratocaster, esses caras improvisavam no palco como se fossem a resposta do CBGB ao Grateful Dead. "Marquee Moon" é sua grandiosa epopeia de 10 minutos — Verlaine desliza sobre um groove staccato repleto de um temor sombrio da madrugada, hipnotizado pelas luzes da cidade, com seu timbre agudo e arrepiante. Patti Smith descreveu seu som como "o grito de mil pássaros azuis". Eles levavam "Marquee Moon" para um lugar diferente a cada noite — especialmente a versão de 17 minutos de Portland, Oregon, em 1978. "Era simplesmente estar no palco e querer criar algo", disse Verlaine. "Então eu tocava até que algo acontecesse. Essa energia extra vem do jazz, do The Doors ou do álbum Five Live Yardbirds (1964) — esse tipo de dinâmica frenética". É uma aventura de guitarra aberta a qualquer banda louca o suficiente para tentar, seja Pavement, Wilco ou Geese. — RS

23. Derek and the Dominos, 'Layla' (1970)

https://www.youtube.com/watch?v=TngViNw2pOo

Em agosto de 1970, Duane Allman soube que Eric Clapton estava em Miami gravando com sua nova banda. Então, ele apareceu de surpresa nas sessões — e fez história. "Devia haver algum tipo de telepatia", disse o produtor Tom Dowd, "porque nunca vi inspiração espontânea acontecer nessa velocidade e nível". Skydog e Slowhand nunca tinham se encontrado, mas tiveram uma química musical instantânea, transformando todo o álbum Layla (1970) em um duelo de guitarras — especialmente a faixa-título, um apelo desesperado à esposa de George Harrison, Pattie Boyd. Segundo Clapton, Allman criou o riff de 12 notas, mas depois o superou com aquele solo de slide estridente e agudo, que soa como um theremin perseguido por um cão infernal do Delta. Dá para ouvir alguém no estúdio exclamando "uau!". Para o golpe de misericórdia, Allman adiciona os cantos de pássaros finais, após o interlúdio de piano. — RS

22. Neil Young e Crazy Horse, 'Powderfinger' (1979)

https://www.youtube.com/watch?v=tdPs5YXQTSw

A saga de Neil Young é repleta de solos de guitarra gloriosos e despojados, desde o solo de uma nota em "Cinnamon Girl" até as divagações de "Like a Hurricane", "Cortez the Killer" ou "Danger Bird". Mas "Powderfinger", a peça central e monstruosa de seu clássico de 1979, Rust Never Sleeps (1979), mostra Shakey em sua forma mais feroz, aceitando o desafio do punk rock. Seu solo é repleto de violência brutal, mas ao mesmo tempo vulnerável e elegíaco, um lamento doloroso por um jovem perdido preso em uma guerra que não consegue compreender. Acompanhado pela poderosa batida do Crazy Horse, ele desliza com a Old Black, a Les Paul Goldtop de 1953 que ele vem detonando no palco desde o final dos anos 60. Ainda é o ponto alto de seus shows ao vivo, com Young incendiando verso após verso. "Você não consegue ser ótimo apenas praticando", diz ele na biografia Shakey. "Você precisa estar em sintonia consigo mesmo — aí você pode tocar uma guitarra desafinada e soar ótimo". — RS

21. Stevie Ray Vaughan, 'Texas Flood' (1983)

https://www.youtube.com/watch?v=OQuY7dHfWrM

O solo de Stevie Ray Vaughan em "Texas Flood" soa tão vibrante hoje quanto quando o revivalista do blues o gravou pela primeira vez, durante as sessões de seu álbum de estreia em 1982. Esse álbum também se chamava Texas Flood (1983) e ajudou a impulsionar um novo interesse pelo gênero. Para os neófitos do blues na guitarra, o solo de Vaughan é surpreendente: o destaque de quase dois minutos exorciza todo tipo de demônio, com o falecido guitarrista constantemente levando sua Fender Stratocaster cada vez mais longe. De acordo com o baixista Carmine Rojas, que gravou com Vaughan durante as sessões de Let's Dance, de David Bowie, SRV se deixava guiar pela musa. "A maioria dos caras é muito boa tecnicamente, mas não tem alma. Você precisa ter os dois", disse ele à revista Classic Rock em 2020. "Texas Flood" é uma música emocional. Você a ouve e parece que ele está saindo pelas caixas de som. Ele não estava brincando". — JH

20. Jeff Beck, 'Freeway Jam' (1975)

https://www.youtube.com/watch?v=u6jHlW414sQ

Considerando o quão inovador Jeff Beck era, esta lista poderia facilmente ter 100 solos dele. O solo de guitarra em "Shapes of Things", dos Yardbirds, soa como um raga de rock trêmulo; "Beck's Bolero" combina um solo agudo e cortante com um blues melancólico; o solo choroso e frágil em "People Get Ready" transmite mais alma do que a voz rouca de Rod Stewart; e "Nadia" é uma meditação com a alavanca de vibrato que oscila entre batidas de trip-hop. Mas seu legado floresce na instrumental "Freeway Jam", do álbum Blow by Blow (1975), quatro minutos e meio de expressionismo jazz-fusion em que Beck cria harmônicos flutuantes, desliza nas notas agudas e deixa as notas vibrarem enquanto brinca com os trastes. É uma aula magistral de musicalidade, mas apenas a ponta do iceberg. — KG

19. Lynyrd Skynyrd, 'Free Bird' (1973)

https://www.youtube.com/watch?v=0LwcvjNJTuM

Que música você quer ouvir? Só existe uma resposta: "Free Bird!" Desde que o Lynyrd Skynyrd lançou seu épico de guitarra sulista em 1973, esse é um título que os fãs adoram gritar, até mesmo em shows de outros artistas. (Até mesmo no show de despedida do The Band, The Last Waltz (1976), Greil Marcus, da Rolling Stone, relatou: "Não é que alguém não gritou por 'Free Bird'?",) O Skynyrd começou a estender a música em seus primeiros tempos como banda de bar na Flórida, para que o vocalista Ronnie Van Zant pudesse respirar. "Toquem um pouco mais", disse aos rapazes. "Minha garganta está doendo e preciso de uma pausa."

Allen Collins tocou o solo de quatro minutos em sua Gibson Explorer, com Gary Rossington adicionando solos de slide em sua SG. "Todo o longo improviso foi feito pelo próprio Allen Collins", disse Rossington. "Ele era incrível. Ele era super incrível! Ele era incrível até os ossos." Desde então, o solo tem feito motociclistas chorarem enquanto bebem cerveja.

18. The Jimi Hendrix Experience, 'Little Wing' (1968)

https://www.youtube.com/watch?v=35luFxHO5E0

"Little Wing" pode ser uma das músicas mais curtas de Jimi Hendrix, mas também é uma das mais impressionantes. O destaque de Axis: Bold as Love (1967) é a verdadeira definição de "menos é mais", uma bela explosão de euforia que se dissipa antes mesmo de você perceber que esteve ali. Hendrix a compôs após se apresentar no Monterey Pop Festival, uma experiência lendária que ele captura perfeitamente no solo. Nele, ele executa notas sonhadoras e lentas através de um gabinete de alto-falante Leslie, um dispositivo de madeira originalmente projetado para órgãos.

"'Little Wing' é dolorosamente curta e dolorosamente bela'," disse John Mayer à Rolling Stone em 2010. "É como se seu avô voltasse dos mortos, ficasse com você por um minuto e meio e depois fosse embora. É perfeito, e então acaba." — AM

17. Ozzy Osbourne, 'Crazy Train' (1980)

https://www.youtube.com/watch?v=tMDFv5m18Pw

Em meados da década de 70, a banda Quiet Riot, de Randy Rhoads, frequentava os mesmos círculos que o Van Halen, em que ele era considerado tão inovador e imponente quanto Eddie Van Halen. Mas, enquanto o Van Halen se tornou um sucesso instantâneo com seu álbum de estreia homônimo de 1978, o Quiet Riot inicialmente não conseguiu emplacar. Eis que surge Ozzy Osbourne. Recém-saído do Black Sabbath, o Príncipe das Trevas precisava acompanhar o Van Halen e, felizmente, Rhoads tinha a ambição e o vigor únicos necessários para se destacar dos possíveis clones de Eddie. O solo de Rhoads em "Crazy Train" mistura o drama em tom menor de Beethoven com tapping e lamentos de blues, e há uma qualidade em seu timbre que parece estar abrindo um buraco nos seus alto-falantes. Steve Vai certa vez disse que foi o primeiro solo que ouviu que o fez sentir medo. — KG

16. Grateful Dead, 'Morning Dew' (Ao vivo na Universidade Cornell, 8 de maio de 1977)

https://www.youtube.com/watch?v=RMotfSyRcwU

Jerry Garcia adorou tocar "Morning Dew" durante toda a sua vida. A cantora folk Bonnie Dobson a escreveu em 1961, mas nas mãos de Garcia, ela se tornou um lamento psicodélico épico. Esta gloriosa versão de 14 minutos de "Morning Dew" entrou para a história — o clímax lendário do show mais lendário que o Grateful Dead já fez, na Universidade Cornell, em 8 de maio de 1977. É Garcia em seu momento mais transcendental. Eles tocaram "Morning Dew" para uma plateia já atordoada pelos 27 minutos de "Scarlet > Fire", logo após "St. Stephen" e "Not Fade Away". Garcia brilha em sua guitarra Travis Bean TP500, especialmente nos seis minutos finais, onde ele constrói a música de um sussurro suave para um uivo fúnebre elétrico completo. Assim como "Dark Star", "Morning Dew" foi uma história que o Grateful Dead continuou contando ao longo das décadas, com tantas versões cruciais. Mas desde que o show em Cornell chegou ao circuito de troca de fitas cassete dos anos 70, este "Dew" tem mostrado a luz aos fãs do Grateful Dead. — RS

15. Prince, 'While My Guitar Gently Weeps' (Cerimônia do Hall da Fama do Rock and Roll) (2004)

https://www.youtube.com/watch?v=dWRCooFKk3c

O lendário e mega viral solo de guitarra de Prince na cerimônia de indução ao Rock & Roll Hall of Fame em 2004 foi supostamente uma resposta à sua ausência na lista dos "100 Maiores Guitarristas de Todos os Tempos" desta publicação em 2003. (Na versão atualizada de 2023, ele está em 14º lugar.) No meio de uma apresentação repleta de estrelas, encerrando o show dos Beatles com "While My Guitar Gently Weeps", Sua Alteza Púrpura surge repentinamente das sombras e, sem esforço, entrega três minutos de sublime virtuosismo na guitarra, deixando Tom Petty e Jeff Lynne extasiados. O solo, em grande parte improvisado e sem ensaio, é carregado de emoção desde a primeira nota, explodindo em uma explosão de solos acrobáticos, passagens rápidas e legato, e um show de virtuosismo eletrizante. Mas mesmo em seus momentos mais extravagantes, Prince mantém seu fraseado enraizado na melodia do clássico do Álbum Branco de Harrison — uma demonstração de respeito de um ícone para outro. — JR

14. Queen, 'Bohemian Rhapsody' (1975)

https://www.youtube.com/watch?v=fJ9rUzIMcZQ

13. Allman Brothers Band, 'Statesboro Blues' (1970)

https://www.youtube.com/watch?v=ezPZxfS1jys

No seu aniversário de 22 anos, Duane Allman estava doente na cama. Então, seu irmão, Gregg Allman, apareceu com um presente: um frasco de comprimidos. Mas, algumas horas depois de sair, Gregg recebeu um telefonema dizendo: "Irmãozinho, vem cá agora!". Duane tinha esvaziado o frasco e começado a usá-lo como slide, tocando a antiga música de Blind Willie McTell, "Statesboro Blues". "Fiquei sentado por três semanas praticando", disse Duane à Rolling Stone em 1971. "Ainda soava horrível." Mesmo assim, ele usou aquele slide de frasco — e aquela música — pelo resto de sua vida curta demais, enquanto os Allman Brothers transformavam "Statesboro Blues" em um clássico ao vivo do álbum At Fillmore East (1971). Duane condensou uma vida inteira de guitarra lendária em seus 24 anos: a jam épica de "You Don't Love Me", a serenidade interiorana de "Blue Sky", o grito apaixonado de "Layla". Mas toda a sua história está em "Statesboro Blues". Seus companheiros de banda sobreviventes tocaram a música em seu funeral. — RS

12. Michael Jackson, 'Beat It' (1982)

https://www.youtube.com/watch?v=oRdxUFDoQe0

Nem mesmo o irmão e colega de banda de Eddie Van Halen, Alex Van Halen, conseguiu entender. Por que Eddie usou todo o seu repertório de truques, o maior arsenal de acrobacias que qualquer guitarrista já reuniu, em um único solo de 20 segundos em uma música de Michael Jackson, sem crédito ou pagamento? Está tudo lá, desde o tapping com as duas mãos até os agudos harmônicos mágicos, passando pelo tremolo frenético e o uso excessivo da alavanca de vibrato — um vocabulário inteiro que moldou uma década, tudo vindo de um único par de mãos. É possivelmente a participação especial mais generosa da história da música gravada, e nada parecido jamais apareceu em qualquer música pop antes ou depois. Muito antes de Run-DMC conhecer o Aerosmith, essa participação derrubou barreiras entre gêneros e ajudou Jackson a superar a relutância da MTV em tocar artistas negros. — BH

11. Jimi Hendrix, 'All Along the Watchtower' (1968)

https://www.youtube.com/watch?v=TLV4_xaYynY

""All Along the Watchtower" já era um clássico antes de Jimi Hendrix se apropriar dela. É uma das canções mais assustadoras de Bob Dylan, uma parábola bíblica acústica e minimalista de seu álbum de 1967, John Wesley Harding (1967). Mas Hendrix, um fã de longa data de Dylan, a elevou a um novo patamar, transformando-a drasticamente em uma tempestade de guitarra estridente. Ele gravou "Watchtower" poucas semanas após o lançamento da versão original, para o álbum Electric Ladyland (1968). Seu solo em cinco partes dá vida à atmosfera austera, especialmente aquele gemido fantasmagórico de slide aos dois minutos. "Me impressionou muito, de verdade", disse Dylan em 1995 sobre a versão de Hendrix. "Ele tinha um talento incrível — conseguia encontrar coisas dentro de uma música e desenvolvê-las vigorosamente. Ele encontrava coisas que outras pessoas não pensariam em encontrar ali. Ele provavelmente aprimorou a música com os espaços que utilizou." — RS

10. The Beatles, 'While My Guitar Gently Weeps' (1968)

https://www.youtube.com/watch?v=YFDg-pgE0Hk

"While My Guitar Gently Weeps", o clássico do Álbum Branco (1968), é o solo mais lendário dos Beatles — e, no entanto, foi tocado pelo melhor amigo de George Harrison, Eric Clapton. Foi um capricho de momento: George convidou seu amigo para tocar pouco antes da sessão, enquanto os dois dirigiam para Londres. Clapton ficou horrorizado, dizendo: "Ninguém toca nas sessões dos Beatles!". George simplesmente respondeu: "E daí? É a minha música!". Mas ele tinha um motivo oculto — estava farto da guerra aberta em Abbey Road e sabia que os Fab Four se comportariam bem perto de um convidado de honra. Como ele brincou, "Todos se comportaram da melhor maneira possível". Clapton tocou um solo muito parecido com o de Harrison em uma Les Paul vermelho-cereja de 1957 que ele havia acabado de dar de presente para George, apelidada de "Lucy". George a usou no Álbum Branco (1968) e em Abbey Road (1969), incluindo "Something". (Sim, é isso mesmo: ele tocou sua canção de amor mais romântica para Pattie Boyd no violão que Clapton lhe deu.) — RS

9. Funkadelic, 'Maggot Brain' (1971)

https://www.youtube.com/watch?v=xby5467EbdU

Segundo a lenda, o gênio do P-Funk, George Clinton, disse ao guitarrista Eddie Hazel para tocar a faixa de abertura do álbum de 1971 do Funkadelic como se tivesse acabado de receber a notícia da morte de sua mãe. O resultado é um instrumental comovente e alucinante que parece transmitir uma dor pura e genuína. Guitarrista autodidata e fã incondicional de Jimi Hendrix, Hazel contribuiu muito para o cânone do P-Funk. Mas o solo de guitarra de quase 10 minutos que inicia o sombrio, perturbador e, ainda assim, incrivelmente envolvente LP de 1971 continua sendo a pedra fundamental de seu legado. As notas não são tocadas, mas sim choradas e arrancadas de seu instrumento; Hazel evoca uma sensação de perseverança, ressurgindo como uma fênix das cinzas de seus pedais de eco nos minutos finais. "É uma peça musical para evocar os fantasmas do passado", disse Vernon Reid, do Living Colour. "Evoca o sofrimento. Evoca a alegria. É uma obra-prima." — DF

8. Steely Dan, 'Kid Charlemagne' (1976)

https://www.youtube.com/watch?v=b00h8iKaklQ

No estilo clássico do Steely Dan, Larry Carlton passou pelo menos 90 minutos — possivelmente mais — no estúdio com Donald Fagen e Walter Becker, trabalhando no solo de guitarra de "Kid Charlemagne". O guitarrista de formação jazzística, tão renomado por seu uso da Gibson ES-335 que ganhou o apelido de "Sr. 335", teve até que gravar várias tomadas, a pedido de Becker, com uma Fender Stratocaster antes de poder voltar para sua guitarra principal. "Não demorou muito para que nos empolgássemos", relembrou Carlton em uma entrevista, exalando uma tranquilidade condizente com seu trabalho em "Kid Charlemagne". Seus solos no meio e no final (este último gravado em uma única tomada) equilibram com maestria complexidade e facilidade, melodias pop-rock de ouro puro que não temem toques de jazz cósmico. E seu fraseado nunca vacila, um deslizar sem esforço mesmo nas partes mais rápidas ou espinhosas, cada nota derretendo como tinta em um mata-borrão. — J. Blistein

7. Led Zeppelin, 'Stairway to Heaven' (1971)

https://www.youtube.com/watch?v=QkF3oxziUI4

"Achei que "Stairway to Heaven" cristalizou a essência da banda", disse o guitarrista Jimmy Page à Rolling Stone em 1975. Ele não está errado. A odisseia de oito minutos do Led Zeppelin IV (1971) mostra o que cada membro fazia de melhor: as letras pastorais de Robert Plant, inspiradas na música celta, interpretadas com seu icônico grito estridente; o baixista John Paul Jones, versátil como sempre, contribuindo com a flauta doce e o piano elétrico; John Bonham trazendo o céu e o inferno com sua bateria estrondosa. E então temos Page, que usou uma Fender Telecaster de 1959, presenteada por Jeff Beck, para o final deslumbrante. O solo de Page foi totalmente improvisado, uma aula magistral de melodia e potência, em que a primeira ideia era a melhor — o suficiente para dar o toque final, mas sem ofuscar todo o resto. "Todo músico quer fazer algo de qualidade duradoura, algo que resista ao tempo", disse Page. "E acho que conseguimos isso com "Stairway to Heaven"." — AM

6. Chuck Berry, 'Johnny B. Goode' (1958)

https://www.youtube.com/watch?v=Y-9Y4CCIWnM

Chuck Berry aperfeiçoou o solo de guitarra rock and roll como o conhecemos em "Johnny B. Goode", o hino definitivo dos guitarristas virtuosos. Sua sequência inicial de 18 segundos foi um tiro ouvido em todo o mundo, uma explosão de bravata elétrica digna de Tunguska que inspirou metade dos músicos desta lista a pegarem sua primeira guitarra. Como disse Keith Richards, "Chuck é o avô de todos nós". É a história do garoto do interior da Louisiana que dedilha o violão enquanto sua mãe o incentiva: "Vai, Johnny, vai!". Mas a inspiração veio de seu primeiro show em Nova Orleans, marcado pela história da cidade. Como ele escreveu em sua autobiografia: "A emoção de ver meu nome negro estampado por toda a cidade, em uma das cidades por onde os escravos passaram, se transformou na música "Johnny B. Goode"". Todas as tradições da música americana estão presentes na guitarra de Chuck Berry — nunca tão altas ou desafiadoras quanto aqui. — RS

5. Van Halen, 'Eruption' (1978)

https://www.youtube.com/watch?v=M4Czx8EWXb0

Quase meio século depois do lançamento do álbum de estreia homônimo do Van Halen, é quase impossível conceber o impacto que a segunda faixa do disco, um solo de guitarra de um minuto e 42 segundos apropriadamente chamado de "Eruption", teve no curso da história da guitarra. A sucinta declaração de propósito de Eddie Van Halen, com seu uso revolucionário de tapping com as duas mãos, domínio total da alavanca de vibrato, velocidade estonteante e timbre rico e saturado — que ele chamava de "som marrom" — estabeleceu o léxico para uma nova geração de guitarristas. Como Van Halen — que frequentemente reclamava que "Eruption" tinha um erro que ele não conseguia reproduzir posteriormente — contou, a inclusão do solo no álbum foi quase uma ideia de última hora. "Estávamos ensaiando para uma apresentação que tínhamos que fazer no Whiskey a Go Go, então eu estava me aquecendo, praticando meu solo", disse Van Halen ao jornalista Jas Obrecht. "[Nosso produtor] Ted Templeman entra. Ele pergunta: 'Ei, o que é isso?' Eu respondo: 'É um pequeno solo que eu toco ao vivo.' Ele diz: 'Ei, é ótimo — coloque no disco!'" — TB

4. Pink Floyd, 'Comfortably Numb' (1979)

https://www.youtube.com/watch?v=_FrOQC-zEog

O solo transcendental de David Gilmour em "Comfortably Numb" não é apenas um solo isolado, mas sim as melhores partes de cinco ou seis takes, embora ninguém perceba isso. "Eu simplesmente segui meu procedimento usual, que é ouvir cada solo novamente e marcar as barras de compasso, indicando quais partes são boas", disse Gilmour certa vez. Ele simplesmente ajustava o volume sempre que uma frase lhe chamava a atenção, criando um mosaico que se tornou o solo mais comovente de sua carreira. Sua execução é melancólica, cheia de alma e bela, dando um calor humano à melancolia de The Wall (1979). Felizmente para os fãs do Pink Floyd, ele manteve o solo nos shows da banda após a saída de Roger Waters, expandindo-o brilhantemente em álbuns ao vivo como Pink Floyd's Pulse (1995) e seu próprio álbum solo ao vivo mais recente, The Luck and Strange Concerts (2024). Segundo Gilmour, cada vez que ele tocava o solo, ele se transformava em algo novo no palco. — KG

3. The Eagles, 'Hotel California' (1976)

https://www.youtube.com/watch?v=dLl4PZtxia8

É simplesmente inegável a incomparável grandeza do rock radiofônico dos anos 70 que são os solos de guitarra duelantes em "Hotel California". Preservados para sempre pelo produtor Bill Szymczyk na faixa-título maratona do álbum da banda de 1976, os solos são um duelo épico entre os guitarristas Joe Walsh e Don Felder. Eles também são extremamente fáceis de cantar — admita, você já gritou "da, da, da, da…" no carro durante o clímax da música. "Sempre havia uma pequena competição entre Felder e eu. Sempre tentávamos superar um ao outro… 'Ah, é? Escuta isso!'", diz Walsh no documentário de 2013, History of the Eagles (2013). Seja na gravação original ou no palco, os solos de guitarra nunca deixam de evocar aquela brisa fresca e o aroma aconchegante de colitas. Szymczyk, que supervisionou os álbuns de BB King e Bob Seger, disse: "O final de "Hotel California" é um dos pontos altos da minha carreira musical". — JH

2. Jimi Hendrix, 'Machine Gun' (1970)

https://www.youtube.com/watch?v=V7TxGJyfeXk

Ninguém jamais fez mais com a guitarra do que Jimi Hendrix, mas "Machine Gun" é Hendrix em sua essência — a expressão mais ambiciosa, crua, emotiva e ousada de seu gênio musical. A música faz parte do álbum Band of Gypsys (1970), gravado ao vivo no dia de Ano Novo de 1970 no Fillmore East, uma tempestade de 12 minutos de angústia elétrica e fúria política, inspirada pela violência no Vietnã e nos Estados Unidos. Muitas lendas da guitarra já o consideraram o melhor solo de todos os tempos, de Slash ("esse é o Santo Graal") a Kirk Hammett. "Este não é apenas o meu solo de guitarra favorito de todos os tempos", disse Trey Anastasio, do Phish, "mas inclui a melhor nota já tocada em uma guitarra elétrica: a nota aguda e estridente que Jimi toca logo no início do solo". (Confira logo aos quatro minutos.) Hendrix teve sucessos maiores, mas este é o mais longe que ele chegou. Mais de 50 anos depois, "Machine Gun" continua sendo o limite máximo que uma guitarra — e um guitarrista — podem alcançar. — RS

1. Prince, 'Purple Rain' (1984)

https://www.youtube.com/watch?v=TvnYmWpD_T8&source_ve_path=MjM4NTE&embeds_referring_euri=https%3A%2F%2Fwww.notion.so%2F

As origens de "Purple Rain" são repletas de lendas: Prince achava que ela poderia ter se tornado uma música country; ele a ofereceu a Stevie Nicks, que a considerou cinematográfica demais para gravar; e uma mulher sem-teto foi a primeira a ouvi-la quando Prince a convidou para o espaço de ensaio da Revolution. Mas nada disso importa, já que, para todos os outros, a banda deu à luz "Purple Rain" no First Avenue de Minneapolis, em 3 de agosto de 1983, quando Prince extraiu um solo de guitarra que soava mais como um grito comovente da alma do que um holofote musical. Foi a primeira vez que a tocaram ao vivo, e é a versão que está em Purple Rain (1984). A maestria de Prince na guitarra já era bem conhecida naquela época, mas a fluidez de seu fraseado na música e a maneira como ele dedilhava as cordas para alcançar notas que ascendiam aos céus diziam muito mais sobre o significado de "Purple Rain" do que sua letra obscura. — KG