O rock morreu. Vida longa ao rock! Nos 75 anos desde que a primeira música de rock and roll foi gravada em um estúdio em Memphis, o túmulo desse gênero foi mais explorado do que a pista do Berghain. Caras como Gene Simmons nunca se cansam de dizer que o rock é coisa do passado, mas uma coisa curiosa continua acontecendo: toda vez que você o descarta, o rock encontra um jeito de voltar. Na verdade, diríamos que estamos vivendo um momento particularmente empolgante para a música rock agora — então, compilamos esta lista para celebrar todos os motivos para isso. Você encontrará as incríveis bandas que contratamos para a Rolling Stone Rock Tour deste ano, apresentada pela Miller High Life, além de ainda mais sons, cenas e tendências do mundo todo. Continue lendo (ou vá a um show perto de você) e você poderá encontrar sua nova banda favorita.

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Por que Die Spitz vai derreter seu rosto

Die Spitz adora surfar na multidão e quer ver mais disso em seus shows. Os metaleiros de Austin conquistaram uma base de fãs fervorosa com suas apresentações eletrizantes, onde trocam de instrumentos e vocais e sempre encontram um jeito de surfar no mar de espectadores (mesmo que acabem caindo de cara no chão). O quarteto formado por Ava Schrobilgen, Eleanor Livingston, Kate Halter e Chloe De St. Aubin fez um show memorável no House of Blues de San Diego, no dia 17 de julho, durante a Rolling Stone Rock Tour, apresentada pela Miller High Life. "Eu sempre pergunto: 'Cadê minhas garotas? Cadê meus gays?'", diz a guitarrista e vocalista Schrobilgen. "E com certeza estava mais barulhento em San Diego."

Após uma apresentação eletrizante no SXSW do ano passado, o Die Spitz chamou a atenção da Third Man Records, de Jack White, e assinou com a gravadora, que lançou seu álbum de estreia, Something to Consume (2026), alguns meses depois. Com exceção de algumas pausas, o Die Spitz seguirá em turnê com datas agendadas até maio de 2027, incluindo shows de abertura para artistas renomados como Turnstile e Olivia Rodrigo. A forte ligação entre elas as mantém sãs, assim como as partidas competitivas do jogo de dados Farkle. "Nós quatro nos fundimos em uma só pessoa", diz Schrobilgen. "Estamos na mesma sintonia. Então, se por acaso tivermos um dia em que todas estamos exaustas, é no mesmo dia, e é até engraçado."

Die Spitz afirma que sua missão principal é criar um oásis para fãs LGBTQ+ e mulheres em seus shows. Elas já tiveram problemas com homens as encarando (assim como outros frequentadores de shows), então oferecem aos seus fãs permissão para dar um soco em qualquer cara assediador que as incomode. "Apoiaremos vocês em tudo", diz a baterista De St. Aubin. "Pessoalmente, acho que as mulheres precisam começar a dar mais socos em homens." — Jaeden Pinder

Por que o rock clássico vive no TikTok

Os adolescentes ainda praticam guitarra em seus quartos ou ensaiam escalas pentatônicas, como eles mesmos diriam. Mas, hoje em dia, eles ligam a câmera e tocam para o máximo de pessoas possível dentro do alcance do algoritmo. Frequentemente, os jovens no #guitartok resgatam décadas passadas para reviver antigos ritos de passagem, executando com perfeição os intermináveis solos duplos de "Hotel California" (repetidamente) ou a complexa demonstração de dedilhado de "Sultans of Swing". Há também jovens do mundo todo que conseguem tocar exatamente como Stevie Ray Vaughan e aqueles que encaram corajosamente um desafio final: o solo arrebatador e explosivo de "Beat It", de Eddie Van Halen. O riff de "Snow (Hey Oh)", do Red Hot Chili Peppers, que causa síndrome do túnel do carpo, é outra escolha frequente. Mas isso é só o começo do TikTok do rock clássico, onde jovens com paredes cobertas de pôsteres classificam álbuns dos Beatles, tocam bateria ao som de Neil Peart e se vestem como Penny Lane enquanto dançam ao som de Fleetwood Mac. Alguém ainda se lembra de dar risada? A Geração Z, e até mesmo a Geração Alfa, com certeza se lembram. —Brian Hiatt

Porque Olivia Rodrigo é a melhor artista de rock de arena dos últimos anos

Olivia Rodrigo jamais se contentará em ser apenas mais uma garota pop. Ela exige ser a perfeita estrela do rock americana. O-Rod reivindicou seu lugar como a roqueira mais autêntica, genuína e descarada da nossa época. "Há algo de muito especial na música rock feita por mulheres", disse ela em dezembro, em conversa com Kathleen Hanna, do Bikini Kill, para o podcast do Rock & Roll Hall of Fame. "Há uma qualidade emocional diferente. A dor, a raiva e a vulnerabilidade que uma mulher pode expressar através de uma canção de rock são de uma categoria completamente diferente. Quando eu era mais jovem, isso me inspirava muito".

Essa ex-princesa da Disney sempre se deleitou com seus passos de rock, desde sua primeira turnê em 2022, quando fez covers de Veruca Salt e Avril Lavigne. Ela se orgulha especialmente de celebrar a explosão feminista-punk dos anos 1990 — e de reivindicar seu lugar nela. Essa é a garota que contou à Rolling Stone que sua mãe costumava acordá-la todas as manhãs tocando Babes in Toyland, as rainhas do grunge dos anos 1990. ("Vomit Heart" abriu caminho para que "Drivers License" pudesse correr?).

Em junho, quando fez sua aparição surpresa no Festival Primavera em Barcelona, ela chocou a plateia ao trazer o próprio Robert Smith ao palco, que se juntou a ela para estrear o dueto inédito "What's Wrong With Me". Ela cantou seu sucesso número um, "Drop Dead", com o verso "Vocês sabem todas as letras de 'Just Like Heaven', e eu sei por que ele as escreveu" — e então cantou um dueto com o próprio compositor. Ela obviamente não estava brincando quando repetia que suas novas músicas eram inspiradas por bandas góticas como The Cure e Joy Division. Sua autenticidade roqueira é uma conquista a ser celebrada. Que ela continue assim, incansavelmente revoltada, para sempre. —Rob Sheffield

Porque o shoegaze nunca esteve tão em alta

O shoegaze já foi considerado uma moda passageira dos anos 1990, mas está explodindo nos dias de hoje. Pioneiros como My Bloody Valentine, Slowdive e Ride são muito mais amados e influentes agora do que eram em suas épocas. O som do shoegaze continua evoluindo, à medida que jovens artistas se reconhecem nessas ondas mega-distorcidas de fuzz de guitarra. Os fãs e bandas da Geração Z entraram na jogada, criando um boom de novos estilos de zoomergaze. Algo nesse som estridente continua nos atingindo bem nos lugares mais obscuros da alma. —RS

Porque a era rock de Beyoncé está chegando

A espera pelo Ato III — o terceiro capítulo da trilogia de álbuns de Beyoncé, que abrange diversos gêneros — só se tornou mais angustiante com o passar do tempo. Os fãs há tempos suspeitam que a última parte da trilogia explorará o rock, assim como ela se aventurou na música house em Renaissance (2022) e no country em Cowboy Carter (2024). O mais empolgante é que, seja qual for a versão de rock de Beyoncé, provavelmente não será nada parecida com o que qualquer um imaginava.

Beyoncé não se curva às tendências passageiras ou aos discursos online. Ela está ocupada demais vasculhando a história para encontrar os detalhes mais negligenciados e incorporá-los aos seus projetos. E embora se diga que ela está resgatando algo com cada um desses projetos, em turnê ela projeta um lembrete necessário no palco todas as noites: "Nunca peça permissão para algo que já lhe pertence".

Ao longo dos anos, tivemos algumas amostras do estilo rock de Beyoncé. Há "Don't Hurt Yourself", com participação de Jack White e influências do Led Zeppelin, do Lemonade (2016), mas também a explosiva "Ring the Alarm", do B'Day (2006). Ela se inspirou em artistas como Bette Davis, Prince e Tina Turner. A obsessão de Beyoncé pela paixão certamente elevará a temperatura com a banda certa. Os músicos que ela escolher para o Ato III que se preparem para arrasar. —Larisha Paul

Porque o barulho nos unirá

Não há nada como um show de noise rock. Entre num bar ou casa de shows onde uma banda como Lip Critic, Model/Actriz ou Mandy, Indiana esteja tocando e você encontrará um vocalista provocador em um frenesi enquanto seus companheiros de banda liberam onda após onda de som catártico — e uma base de fãs unida os incentivando a ir ainda mais longe. Quem não gostaria de participar da festa?

Muitos desses shows podem ser encontrados em espaços alternativos no Brooklyn, como a lavanderia apertada onde o Lip Critic tocou recentemente, com fãs assistindo de cima das máquinas de lavar ou se perdendo na loucura. Em outros pontos do bairro, as performances do Model/Actriz são notáveis pela interação do vocalista Cole Haden com o público, conhecido por percorrer o caos e trocar olhares com os presentes. Na Europa, a banda Mandy, Indiana (com base em Berlim e Manchester, Inglaterra) constrói cenários catastróficos, e você quase consegue sentir os efeitos do ácido na língua da vocalista Valentine Caulfield enquanto ela ataca paqueradores, a indústria farmacêutica e muito mais.

Essas bandas frequentemente se inspiram em influências surpreendentes como forma de aumentar a intensidade. O som eclético do Lip Critic, que abrange de tudo um pouco, tem raízes na revolução mutante do dubstep de Skrillex; Haden já falou sobre o quanto admira divas pop como Lady Gaga e Kylie Minogue; e a trilha sonora do thriller de animação japonês Perfect Blue (1997) foi uma importante inspiração para o guitarrista do Mandy, Indiana, Scott Fair. Experimentar essa mistura de influências improváveis em um show de palco intransigente simula a sensação de olhar para um espelho de parque de diversões: é distorcido, um pouco assustador e pode te deixar sem enxergar direito por algumas horas. Esses roqueiros barulhentos exigem que você deixe suas inibições na porta, mas qualquer um que seja corajoso o suficiente para pisar em suas pistas de dança jamais esquecerá o caos emocionante que se segue. —JP

Porque o Metallica ainda consegue emocionar a todos

Já se passaram 45 anos desde sua formação e três desde o lançamento de seu álbum mais recente, 72 Seasons, e o Metallica continua quebrando recordes ao redor do mundo. No último ano, eles estabeleceram novos recordes de público em shows, em cidades como Bolonha, na Itália; Atenas; Frankfurt; e Berlim. E quando anunciaram uma residência intitulada Life Burns Faster no The Sphere, em Las Vegas, a partir de 1º de outubro, tornando-se a primeira banda de heavy metal a realizar tal feito, a resposta foi tão intensa que eles expandiram a série inicial de oito shows para 24, adicionando datas mais rapidamente do que o U2 e o Phish antes deles. A demanda foi tão alta que um fã relatou ter ficado em 421.961º lugar na fila para comprar ingressos. Obedeça ao Ticketmaster. —Kory Grow

Porque os clubes independentes apoiam cenas locais vibrantes

Hoje em dia, parece que a música só existe online ou em arenas com ingressos a 500 dólares. Mas ainda existem muitos clubes pequenos e independentes construindo cenas presenciais e fomentando comunidades. O Permanent Records Roadhouse, em Los Angeles, uma loja de discos e casa de shows com capacidade para 100 pessoas, apresenta um show no início da noite e outro na madrugada, reunindo seis bandas ou mais. Em apenas uma semana de agosto, John Dwyer, do Osees, estreou um novo projeto de noise psicodélico, a banda de post-hardcore Sparta passou por lá em sua turnê de verão, e Conan O'Brien apresentou sua nova banda, The Vigodas. A poucos quilômetros dali, o Zebulon — que abriu suas portas após uma década em Williamsburg, no Brooklyn — garantiu que haja espaço para as pessoas socializarem mesmo que não estejam assistindo a um show. "Gostamos da ideia de as pessoas se encontrarem em um café e conversarem sobre o que está acontecendo", diz Jef Soubiran, coproprietário do Zebulon. Espaços semelhantes podem ser encontrados de Nova York (TV Eye) a Chicago (The Hideout), passando por Austin (The 13th Floor) e muitos outros lugares. Lance Barresi, proprietário da Permanent Records, acrescenta: "Sem espaços como este, não há terreno fértil para que músicos locais experimentem coisas novas". —Elisabeth Garber-Paul

Porque o Lifeguard pode ser o melhor grupo de tortura de guitarras desde o Sonic Youth

Um conselho para quem for a um show do Lifeguard: leve protetores auriculares. Esses três amigos da vibrante cena underground de Chicago criam um som de feedback ensurdecedor sempre que ligam seus instrumentos. Contanto que você não se importe com um zumbido nos ouvidos, é incrivelmente divertido, tanto no nível da provocação art-punk quanto no nível do "É isso aí!". Melhor ainda, o álbum de estreia deles, Ripped and Torn, de 2025, está repleto de músicas concisas e cativantes, influenciadas por bandas como The Jam, Buzzcocks e The Rapture. "Principalmente no cenário pós-punk, ele pode ficar meio niilista e sem melodia, e nós realmente não nos identificamos com isso", disse o vocalista e guitarrista Kai Slater à Rolling Stone. "Nos conectamos mais com a melodia". —Simon Vozick-Levinson

Porque o punk caribenho está esquentando

O punk rock sempre esteve ligado à ideia de que tanto artistas quanto ouvintes estão com raiva — frustrados com o sistema, furiosos com a injustiça. Muita música vinda do Caribe nos últimos anos refletiu esses sentimentos, mas, para surpresa de alguns, essa raiva foi canalizada principalmente através do reggaeton, do dembow e de outros sons tipicamente associados a festas. Em Porto Rico, no entanto, há muitas bandas prontas, dispostas e capazes de expressar essa raiva aos berros.

Tapaboka, um quarteto hardcore que estreou em 2023, é um dos grupos mais promissores do arquipélago. A vocalista Analaura Morales distribuiu panfletos pela cidade em busca de uma banda antes de conhecer a guitarrista Sofía Capllonch e a baixista Victoria "Vic" Nieves. (O baterista do Tapaboka, Daniel Maymí, juntou-se à banda mais tarde.) "Eu pensei: 'Já que vou morrer, é melhor fazer algo divertido'", diz Morales.

As músicas estridentes e frenéticas do Tapaboka abordam temas como lidar com relacionamentos abusivos e expor estupradores. "A cena é dominada por homens. Também pode ser muito hostil com as mulheres", diz Capllonch. "Nossos shows tendem a ser espaços mais seguros". Elas já ouviram muitos insultos grosseiros de homens na plateia, mas usam isso como combustível. "Geralmente, isso me enfurece tanto que, quando chega a hora de tocar, estou gritando muito bem", diz Nieves. "De vez em quando, eu desmaio no palco. Quando ouço a gravação, penso: 'Isso foi demais'".

Conceitos errôneos podem ser um problema até mesmo em casa, observa Maymí: "Porto Rico é uma colônia dos Estados Unidos, e fomos doutrinados com a ideia de 'propriedade' americana". Até mesmo o público local às vezes presume que, se você quer punk, metal ou thrash, precisa procurar nos Estados Unidos. O Tapaboka é apenas mais um exemplo de como isso está errado. —Juan J. Arroyo

Porque o Bleachers está criando música analógica para um mundo digital

"Antes a gente sonhava mais", reflete Jack Antonoff numa manhã ensolarada no último andar do Electric Lady Studios, em Nova York. Ele fala sério. "A gente costumava sonhar à noite e se sentir tomado por essas sensações estranhas", diz o compositor e líder da banda Bleachers, "e acordava cantarolando esses sonhos. Agora, no segundo em que você olha para o celular, tudo isso desaparece".

O telefone, e tudo o que ele representa, estava em primeiro plano para Antonoff enquanto ele produzia o quinto álbum do Bleachers, Everyone for Ten Minutes. Ele se depara com o eterno dilema de ter um dispositivo que supostamente oferece acesso à história do conhecimento humano, mas tudo o que as pessoas querem fazer é "olhar para a própria cara e ler sobre os problemas dos outros". Ocasionalmente, ele abre o aplicativo Notas e começa a clicar nas palavras sugeridas. "Para mim, é sempre ' Blá blá blá, estou a caminho…' 'Te amo, te amo, sinto sua falta, sinto sua falta'. Minha vida é sobre correr, sentir falta e amar". —Jon Blistein

Porque as rodas punk são muito divertidas!

Imagine a cena: você está no meio de uma sala lotada (ou talvez apenas em um grande campo aberto). Há uma banda tocando no palco, em alto volume. E você? Você está completamente entregue ao momento, se jogando na roda punk até bater os joelhos na beira do palco de tanto bater que percebe que vai precisar usar calças no trabalho por uma semana. Se isso soa divertido para você, parabéns — você descobriu as maravilhas do mosh pit. O mosh existe desde os primórdios do punk e do hardcore, e o termo tem origem em algo que o vocalista do Bad Brains, HR, costumava dizer em seus shows. Quase 50 anos depois, o mosh ainda é o antídoto catártico para as multidões de braços cruzados encontradas em muitos shows de rock. É particularmente revigorante participar de uma atividade que (ao contrário, digamos, de uma dancinha do TikTok) não exige coordenação ou movimentos complicados, apenas uma entrega total — uma chance de sentir a música da cabeça aos pés. "Acho lindo como pessoas sem ritmo e pessoas com ritmo podem se mover em uníssono, mas também não em uníssono, simplesmente se jogando na roda punk", diz Ian Shelton, do Militarie Gun. "A música sempre teve o propósito de inspirar a dança. É uma forma eterna de comunicação". —Brenna Ehrlich

Porque a moda gótica está de volta

O que é preto e branco e completamente sem vida? O ressurgimento da Geração Z com trajes de luto vitorianos, botas de couro brilhantes e maquiagem cadavérica no estilo black metal. Nos últimos 400 anos, desde que Shakespeare imortalizou o visual com o Príncipe Hamlet, a moda gótica nunca desapareceu completamente. O que diferencia os fashionistas de hoje (como os fãs retratados aqui, em um show do My Chemical Romance e uma festa da Gothicumbia em Nova York) daqueles criados na Bauhaus é um novo senso de ironia. Acha que um chapéu Stetson preto pode destoar da sua maquiagem inspirada em O Corvo (1994)? Pense de novo. E agora tudo bem sorrir em fotos, mesmo se você estiver usando batom preto. —KG

Porque shows de rock em clubes pequenos merecem ser arquivados

Pergunte a qualquer banda de indie rock que passou um tempo na estrada nos anos 90 sobre seu local de shows favorito em Chicago e o Lounge Ax provavelmente estará no topo da lista. Inaugurado em 1987 e copropriedade, durante a maior parte de sua existência, de Julia Adams e Sue Miller, o clube intimista na Lincoln Avenue foi palco de inúmeros shows memoráveis antes de fechar suas portas definitivamente em 2000. A semana que antecedeu seu fechamento contou com apresentações de artistas que frequentavam o Lounge Ax, como Wilco, Eleventh Dream Day e Shellac.

Embora tenha desaparecido há um quarto de século, o Lounge Ax jamais foi esquecido. E em breve, muitos dos shows que lá aconteceram estarão disponíveis gratuitamente para todos ouvirem, graças ao gravador local Aadam Jacobs e ao Internet Archive. "Eu me sentia muito em casa lá", diz Jacobs, que gravou cerca de 2.200 apresentações no Lounge Ax a partir do final dos anos 80. Seu arquivo também inclui shows em outras casas de shows de Chicago com bandas como Pixies (10 de agosto de 1989, no Metro), Nirvana (8 de julho de 1989, no Dreamerz) e The Smiths (7 de junho de 1985, no Aragon Ballroom). O resultado é um documento inestimável de uma era do rock. "É incrível a qualidade das gravações desses shows, feitas há tanto tempo", diz Brian Emerick, que digitalizou a coleção de Jacobs. —Althea Legaspi

Porque Nate Amos está vendo até onde ele pode chegar com isso

Na primeira vez que Nate Amos se refere a si mesmo como compositor em uma conversa, ele usa aspas com os dedos. "Agora que sou compositor, entre aspas...", diz Amos casualmente. Por que um dos compositores mais aclamados dos últimos anos — o cara cujas músicas originais foram regravadas por Waxahatchee, Cameron Winter, Hayley Williams, Jeff Tweedy e MJ Lenderman apenas nos últimos 18 meses — acha que essas aspas são necessárias?

"Sempre me vi muito mais em termos de composição, produção e arte conceitual", diz Amos, que grava sob o nome artístico This is Lorelei. "Me dedicar à composição foi quase como um exercício conceitual".

Durante anos, antes de alcançar o sucesso com Box For Buddy, Box for Star em 2024, Amos, que também integra a banda de art-rock Water From Your Eyes com a vocalista Rachel Brown, tratava This is Lorelei como um hobby, seu "mundo seguro e secreto", como ele mesmo define. Agora, ele está tentando descobrir o que significa transformar esse projeto de paixão em uma carreira de sucesso e ascensão meteórica. The Singer In My Band, lançado este mês, é o primeiro exemplo de como isso pode se concretizar. "É um pouco estranho testemunhar e participar da mercantilização de algo tão intensamente pessoal", diz ele. "O pior cenário seria deixar de me importar com isso".

Na maior parte do tempo, Amos parece simplesmente perplexo com a seriedade com que sua música agora é levada pelo mundo exterior. De alguma forma, o guitarrista descontraído que gosta de subir ao palco de Crocs camufladas e qualquer camiseta do Slipknot que esteja usando naquele dia se tornou uma espécie de Carole King do indie rock dos anos 2020. "Tipo, nossa, quem diria"?, pergunta ele com um sorriso. "Com certeza não eu". —Jonathan Bernstein

Porque 80 é o novo 60 na estrada

Alguns dos melhores shows da Terra hoje em dia vêm dos guerreiros da estrada que estão na ativa há mais tempo. Os mais resistentes estão na casa dos oitenta: Bob Dylan, Neil Young, George Clinton, Paul McCartney. Esses são os incansáveis veteranos que têm isso no sangue — aqueles que não conseguem parar. Eles estão prosperando na estrada na década de 2020 porque é onde se sentem em casa e não estão guardando uma gota para o ano que vem. Essas lendas já passaram da fase de esconder as falhas em suas vozes ou as rugas em seus rostos. Isso é coisa de criança. Em vez disso, eles exibem suas vozes octogenárias como se estivessem mostrando cicatrizes de guerra. —RS

Porque cada vez mais mulheres estão comprando guitarras

Há algo em comum entre as guitarristas que inspiraram o quarteto punk de Los Angeles, The Linda Lindas: todas são mulheres. Bela Salazar, de 22 anos, cita Chrissie Hynde, do Pretenders, como uma de suas guitarristas favoritas, enquanto Lucia de la Garza, de 19 anos, admira St. Vincent, Carrie Brownstein, do Sleater-Kinney, e Kelley Deal, do The Breeders. "Tive a sorte de estar cercada por música legal quando era mais nova, que por acaso tinha muitas guitarristas mulheres", diz Lucia.

Analisando as estatísticas, é provável que haja ainda mais guitarristas mulheres para inspirar as gerações mais jovens no futuro. "Estamos vendo um crescimento constante no número de mulheres entrando no mercado de guitarras", disse Gabe Dalporto, CEO da Guitar Center, à Rolling Stone. "Em 2026, as mulheres representaram 31% dos novos clientes da Guitar Center que compraram instrumentos de guitarra, um aumento em relação aos 25% registrados no mesmo período de 2023. Além disso, o número total de novas clientes mulheres que compraram instrumentos de guitarra cresceu 12% em relação ao ano anterior, comparado a um crescimento de sete por cento entre os homens. Juntas, essas tendências indicam que as mulheres estão se tornando uma parte cada vez maior do mercado de guitarras".

As integrantes do Linda Lindas, que estouraram há alguns anos ainda na adolescência e pré-adolescência, sentem que ainda estão aprendendo tudo o que podem fazer com a guitarra. Salazar se inspirou nos Brothers Johnson para algumas partes de guitarra mais funk no álbum mais recente da banda, Gotta Get Out, enquanto de la Garza ficou entusiasmada com a presença do violão na faixa "High Horse" do álbum.

"Definitivamente existe uma sensação de euforia ao tocar guitarra", diz Salazar. "Me faz sentir muito feliz, e é uma sensação que não consigo encontrar em outras coisas". —KG

Porque emos e punks se encontraram no Warped Tour da Cidade do México

O Warped Tour já levou seu influente festival de rock para o exterior mais de uma vez ao longo dos anos, primeiro para a Austrália e depois para o Reino Unido. Mas neste outono, o Warped finalmente chegou ao México — e a espera foi longa. A música emo e o punk sempre foram predominantes no país, especialmente no caldeirão cultural que é a Cidade do México, mesmo que as cenas nem sempre tenham se dado bem. Em 2008, a rivalidade entre as duas cenas musicais ligadas ao Warped atingiu o ápice quando fãs de emo e punks anti-emo se confrontaram fisicamente na capital. Felizmente, as tensões entre essas bases de fãs apaixonadas diminuíram desde então (no ano passado, inclusive, houve uma marcha pacífica com membros de ambos os lados). E a edição inaugural do Vans Warped Tour Mexico City foi a maneira perfeita de mostrar o quanto todos evoluíram. Que melhor maneira de celebrar coletivamente o emo e o punk do que assistir aos shows do Agnostic Front e do Don Tetto no sagrado Warped Tour? —Maya Georgi

Porque Wednesday bate diferente

Karly Hartzman, do Wednesday, é o tipo de compositora que consegue te transportar para a vida de um estranho com poucas palavras. Cada aspecto do seu som parece um detalhe em suas narrativas caseiras sobre pessoas comuns em momentos de desespero — é por isso que sua banda de Asheville, Carolina do Norte, se tornou um fenômeno nos últimos anos, com álbuns como Bleeds (2020), Twin Plagues (2021) e Rat Saw God (2023). Suas canções compõem um retrato autêntico da angústia de uma pequena cidade, enquanto ela evoca seu elenco de perdedores e sonhadores, explorando os cantos mais solitários da vida americana. É como encontrar Eudora Welty se ela tivesse aprendido seus riffs tocando em bandas de hardcore sulista.

Deus sabe que Hartzman sabe contar uma história em prosa, como no aclamado artigo que escreveu para a Vulture sobre a produção de um álbum durante um longo término de relacionamento com o guitarrista de longa data de sua banda. É uma ironia digna de O. Henry que o guitarrista seja justamente MJ Lenderman, outro mestre em contar histórias com um ouvido apurado para detalhes do cotidiano. Dá até pena de perceber o quão bons os dois são nisso. Hartzman também escreve em seu viciante blog, Prison Divorce Bombshell, onde fez uma homenagem à sua ídola literária Carson McCullers enquanto lia The Heart Is a Lonely Hunter. ("McCullers é, obviamente, a melhor de todas... Não sei como ela conseguiu escrever assim em seu primeiro romance... Meu Deus"!)

Wednesday se ergue orgulhosamente sobre os ombros dos grandes contadores de histórias do indie rock do passado — de Patterson Hood, do Drive-By Truckers, a Craig Finn, do The Hold Steady, de Katie Crutchfield, do Waxahatchee, a John Darnielle, do The Mountain Goats. Mas Hartzman tem sua própria voz inconfundível, e acompanhá-la daqui em diante será uma grande aventura. —RS

Porque Mannequin Pussy estão ficando cada vez mais barulhentas

O Mannequin Pussy costumava ser presença constante em espaços alternativos como o saudoso Shea Stadium, no Brooklyn. Neste verão, eles tocaram em estádios de verdade, abrindo os shows da turnê Take Cover do Foo Fighters.

"É uma turnê incrivelmente empolgante ter sido convidada para participar", diz a vocalista Marisa "Missy" Dabice. "Estamos na banda há mais de uma década. É uma nova experiência divertida para riscar da lista de coisas que já vivemos. Embora, outro dia, estivéssemos brincando que somos mais como recepcionistas do que artistas".

Brincadeiras à parte, os integrantes da banda estavam particularmente animados para tocar no estádio de futebol americano de sua cidade natal, o Lincoln Financial Field. "Existe um enorme orgulho em Filadélfia", diz Dabice. "Se você mora em Filadélfia, você acaba se tornando um fã dos Eagles".

E embora eles tenham estado ocupados ultimamente gravando um novo álbum, isso só lhes deu mais material para o show de abertura. "Doze anos atrás, mal tínhamos músicas suficientes para 30 minutos, mas agora temos muito mais para escolher", diz Dabice.

Em novembro, eles farão um show especial diferente — uma apresentação conjunta com o Wednesday em Nashville, pela Rolling Stone Rock Tour. E se todos esses shows os apresentarem a novos fãs, melhor ainda. "Adoraríamos convidar mais pessoas para o nosso mundo", acrescenta Dabice. "Com certeza, é algo pelo qual vamos trabalhar". —BE

Porque novas cenas estão surgindo em todo o mundo

Em algum lugar, no porão ou na garagem de alguém, sua próxima banda favorita provavelmente está compondo sua primeira música neste exato momento. Aqui estão algumas das melhores cenas locais de 2026, repletas de artistas que estão prontos para fazer sucesso além das cidades onde vivem.

Cidade do México

ARTISTAS PRINCIPAIS: Diles Que No Me Maten (acima), Los Blenders, Unperro Andaluz

O SOM: Rock pesado! Psico-rock, garage rock, pós-punk — essas bandas dominam todos os estilos.

HISTÓRICO: Seguindo os passos de pioneiros do rock em espanhol como Café Tacvba e Caifanes, essas bandas representam uma nova geração.

SINAIS PROMISSORES: Quando o Vans Warped Mexico City foi lançado no outono de 2026, Los Blenders estavam na programação.

Chicago

ARTISTAS PRINCIPAIS: Horsegirl (acima), Salva-vidas, Buda da TV, Friko

O SOM: Abrangente, do noise ao pop e muito mais. O fio condutor é uma ética faça-você-mesmo de apoio.

CONTEXTO: Muitas das bandas estão associadas à cena Hallogallo, que compartilha o nome com um fanzine criado por Kai Slater, da banda Lifeguard.

SINAIS PROMISSORES: Embora muitas dessas bandas tenham começado na adolescência, elas estão ficando ainda melhores à medida que seus integrantes chegam aos vinte e poucos anos.

Tóquio

ARTISTAS PRINCIPAIS: Wanbed, DOGO, Butter Sugar Toast (acima)

O SOM: Pós-punk com influências de jazz, fuzz onírico dos anos 90 e outras vibrações experimentais podem ser encontradas na capital do Japão.

A HISTÓRIA: Katoman, DJ de rádio local, dono de bar e empresário artístico em Tóquio, afirma que esses artistas promissores são os que valem a pena ficar de olho.

SINAIS PROMISSORES: Embora o Leste Asiático seja conhecido por produzir superestrelas do pop, essas bandas mostram que o rock também tem vida por lá.

Nashville

ARTISTAS PRINCIPAIS: Lombardy, Flight Attendant (acima), New Translations.

O SOM: Eclético. Algumas bandas fazem rock com sintetizadores, enquanto outras têm uma pegada mais punk.

A HISTÓRIA: O Rocknite, uma popular série de shows realizada mensalmente no bar Skinny Dennis, serviu de trampolim para muitos desses artistas.

SINAIS PROMISSORES: O Rocknite só tende a crescer — em junho, ocupou o bar de Jon Bon Jovi. —AL

Porque Alice Bag está lutando pelos direitos dos imigrantes

A introdução da pioneira do punk Alice Bag ao ativismo começou quando ela tinha apenas 11 anos. Seus pais, ambos mexicanos, a levaram à Moratória Chicana, um protesto contra a guerra em Los Angeles, em 1970. Embora tenha começado pacificamente, o dia terminou com três civis mortos pela polícia. "Foi um protesto, mas também uma celebração da cultura — e foi recebido com violência", ela relembra.

Décadas depois, ela nunca parou de lutar por justiça através da música e da educação. Como cofundadora da influente banda punk dos anos 70, The Bags, ela se insurgiu contra o racismo, a misoginia e a homofobia, clamando por mudanças e diálogo. "Como chicana, como mulher, como pessoa queer, eu tinha muitas coisas a dizer", afirma.

Recentemente, Bag republicou no Instagram sua música de 2015, "Inesperado Adios", inspirada na separação de uma família que presenciou enquanto lecionava no Arizona. "Sinto que essa música é relevante agora porque isso acontece o tempo todo: famílias sendo separadas, pessoas sendo sequestradas", diz ela. Ela continua denunciando as políticas do governo atual e conscientizando as pessoas sobre o custo humano que elas têm causado. "Isso me deixa com raiva e me dá vontade de lutar — e me faz querer lembrar às pessoas que foram os imigrantes que construíram esta terra".

Ultimamente, ela tem trabalhado com o também veterano do punk Kid Congo Powers em novas músicas que confrontam diretamente os ataques do governo. "Somos como anciãos queer chicanos", diz ela, rindo. "É uma responsabilidade que levamos a sério, mas também tentamos abordar com um pouco de humor, e garantir que as pessoas vejam que estamos aqui por elas". —Julyssa Lopez

Porque todas essas bandas vivem trocando de bateristas

Os roteiristas de This Is Spinal Tap retrataram quase perfeitamente a transitoriedade dos bateristas de rock ao despacharem uma série de percussionistas fictícios por combustão espontânea, "um bizarro acidente de jardinagem" e muito mais. A história recente, no entanto, provou que, com muito mais frequência, bateristas da vida real simplesmente migram para outras bandas. Ocasionalmente, eles até trocam de lugar. Aqui está nossa melhor tentativa de mapear algumas das trocas de bateristas mais notáveis do rock — incluindo a vez em que Nine Inch Nails e Foo Fighters trocaram de bateristas, a sequência de eventos em que Slipknot, Sepultura e Suicidal Tendencies revezaram seus três bateristas como se fossem pneus, e muito mais. Será que o círculo da bateria permanecerá intacto? —KG

Porque Rainbow Kitten Surprise estão se divertindo muito!

Os membros do Rainbow Kitten Surprise comparam sua experiência como banda a uma viagem de carro. "Estamos na estrada há muito tempo", diz o guitarrista Darrick "Bozzy" Keller.

A banda de rock alternativo da Carolina do Norte está na ativa desde 2013, lançando músicas psicodélicas e cativantes, guiadas pela guitarra. O Rainbow Kitten Surprise costumava fazer turnês em uma van, mas agora leva seus shows eletrizantes para palcos maiores e para públicos mais animados do que nunca. "Nosso show atual é o ponto de partida da nossa trajetória — é um retrato de onde estamos como banda", diz Keller. "As pessoas se conectam com a música, e então vêm nos ver ao vivo e ficam impressionadas com as luzes." Um de seus shows mais memoráveis foi a apresentação noturna no Bonnaroo, que atraiu uma multidão enorme.

O show ao vivo eletrizante do Rainbow Kitten Surprise é proposital. Para o seu álbum mais recente, Bones, a banda se perguntou: "O que é divertido de tocar?", como explica a vocalista Ela Melo. "Sabemos que se não nos conectarmos com a música no palco, os fãs também não se conectarão", acrescenta.

Para onde a jornada do Rainbow Kitten Surprise os levará a seguir? A banda não tem certeza, mas o presente é um bom indicador. "Acho que estamos no melhor momento da nossa vida", diz Melo. — MG

Porque Hayley Williams quer estar em 100 bandas — e ela pode muito bem conseguir

"Quero estar em 100 bandas antes de morrer", disse Hayley Williams a Jack Antonoff para a matéria de capa da Rolling Stone "Músicos sobre Músicos" no ano passado. "Gosto daquela sensação de estar em uma sala com outras pessoas e algo que não existia se tornar algo que todos vocês compartilham."

Nos últimos dois anos, Williams tem se esforçado ao máximo para manter essa energia, impulsionada por seu excelente terceiro álbum, Ego Death at a Bachelorette Party . O álbum, lançado em 2025 com uma estratégia de distribuição não convencional , apresenta um novo som ousado que ela explorou ainda mais este ano em suas primeiras turnês solo.

E embora o Paramore permaneça em um "longo hiato" após o lançamento de This Is Why em 2023 , Williams está se divertindo colaborando com outros músicos em novos projetos. Este ano, ela e o produtor Daniel James — um colaborador próximo em Ego Death — se reuniram para um conjunto de músicas que lançaram sob o nome Power Snatch . "Nós fizemos isso um mês depois de terminarmos o álbum", disse James , acrescentando: "Algo aconteceu naquele mês que o colocou em um patamar diferente para nós, então o levamos para um lugar diferente."

Desde fevereiro, a dupla lançou dois EPs gratuitamente na plataforma Bandcamp, que prioriza os artistas, em vez de uma grande plataforma de streaming. Ambos são repletos de canções de rock grunge, cruas e hilárias ao mesmo tempo. "Eu penso em Wayne's World da mesma forma que algumas pessoas pensam em O Poderoso Chefão ", diz Williams, com ironia, sobre "DUH".

Para uma estrela do rock como Williams, literalmente deixar o ego de lado e lançar projetos de rock experimental é empolgante e emocionante. Mal podemos esperar para ver o que mais ela tem reservado e quem serão seus próximos convidados. —MG

Porque a Backline Care está oferecendo apoio em saúde mental para músicos

No verão de 2019, após ver sua comunidade musical sofrer com a perda de alguns artistas que considerava amigos, Hilary Gleason decidiu agir. Antes disso, ela havia trabalhado para organizações sem fins lucrativos e também namorado um músico em turnê, o que lhe proporcionou "uma visão privilegiada de como era para a banda acessar ajuda, quais eram as dificuldades de estar em turnê". Então, em setembro daquele ano, ela organizou uma chamada no Zoom e convidou cerca de 35 pessoas que conhecia na indústria, pedindo que encaminhassem o convite para qualquer pessoa interessada. No final, quase 150 pessoas participaram daquela primeira chamada para discutir como ajudar os artistas a acessar o atendimento necessário. O resultado foi a Backline, uma organização sem fins lucrativos que orienta profissionais da indústria musical sobre recursos de saúde mental e bem-estar com a ajuda de um gestor de casos dedicado. Desde o lançamento da Backline, muitos músicos renomados fizeram doações para a organização, começando por Chappell Roan e seguido por Noah Kahan, Charli XCX, Sabrina Carpenter e Ariana Grande.

Gleason afirma estar "muito orgulhosa das parcerias e do apoio que conseguimos para a linha direta" — referindo-se à B-Line, uma linha de apoio à saúde mental 24 horas criada pela Backline com financiamento do Spotify, Live Nation, AEG, Red Light Management e outros. A B-Line conecta quem liga imediatamente a conselheiros de crise que entendem a indústria da música (horários irregulares, pressão das turnês, incerteza financeira) e podem orientá-los sobre os melhores recursos disponíveis. "Já conseguimos atender mais pessoas este ano do que em todo o ano de 2025 graças à possibilidade de ligar e enviar mensagens de texto", diz Gleason. —Alison Weinflash

Porque os Beatles continuam sendo os Beatles, e os Rolling Stones continuam sendo os Rolling Stones

Quando Paul McCartney escreveu "When I'm Sixty-Four" na adolescência, essa idade lhe parecia comicamente fictícia. Agora, aos 84 anos, o ex-Beatle se viu relembrando seus anos de juventude e seus fabulosos ex-companheiros de banda em The Boys of Dungeon Lane , seu 20º álbum solo. Sabemos que mencionamos a tendência crescente de roqueiros veteranos em plena atividade alguns itens acima, mas vamos dedicar mais um momento para apreciar o que estamos presenciando: estamos em 2026, quase 64 anos desde o lançamento do primeiro álbum dos Beatles, e McCartney ainda soa como McCartney. Melhor ainda, seu álbum inclui a ótima "Home to Us", um dueto com o único outro Beatle ainda vivo, Ringo Starr, que também lançou um novo álbum, Long Long Road , este ano. Os beatlemaníacos provaram que ainda precisavam e continuariam a alimentar a paixão pelos Beatles bem depois dos 64 anos, já que o álbum de McCartney estreou em primeiro lugar no Reino Unido e em quinto nos Estados Unidos.

E quanto aos Rolling Stones? Eles não estão em turnê este ano, mas conquistaram o primeiro lugar no Reino Unido (sétimo lugar nos Estados Unidos) com uma ajudinha de… isso mesmo, Paul McCartney, que fez uma participação especial no álbum Foreign Tongues . Esse álbum, um verdadeiro banquete de riquezas, mostrou Mick Jagger e Keith Richards com a sonoridade característica dos Stones em músicas como "Mr. Charm" e "Divine Intervention". Repita, mais uma vez com convicção: todos esses caras ainda garantem satisfação mais de seis décadas depois do início de suas carreiras. Quem diria? —KG

Porque Emily Lazar está fazendo seus artistas favoritos soarem ainda melhor

Quando um álbum faz sucesso, muitos nomes são mencionados em conversas na indústria musical — produtores, colaboradores, empresários, agentes e outros. Mas o engenheiro de masterização raramente é um deles, a menos que esse engenheiro de masterização seja Emily Lazar.

Ao longo de décadas no ramo, ela ajudou a elevar a masterização, etapa final do processo de produção musical que envolve o ajuste dos níveis de áudio e a garantia de que tudo soe perfeito. Em seu estúdio de masterização e mixagem de última geração, o The Lodge, seus clientes incluem Paul McCartney, Harry Styles, Foo Fighters e Rolling Stones. "Minha abordagem para tudo que passa pelo meu console é diferente", diz Lazar. "Comecei como produtora musical, então minha abordagem é mais voltada para a artista. Às vezes, quero não interferir, outras vezes, quero interferir . "

Ao masterizar uma faixa, Lazar se vê como alguém que conduz a narrativa do artista até a linha de chegada. "Diante de toda a controvérsia em torno da IA no momento, é muito importante que nos concentremos em seres humanos contando suas histórias", acrescenta. "Quero saber como alguém reage a algo que acontece em sua vida e nos conta sobre isso. A forma como enxergam o mundo e como vivenciam as coisas é extremamente impactante e significativa." —Lily Moayeri

Porque Alex G continua fazendo o que sabe fazer de melhor

Alex G é o astro do rock por excelência dos anos 2020, justamente porque nada em sua história faz o menor sentido. O compositor de 33 anos, natural dos subúrbios da Filadélfia, manteve sua carreira excêntrica em ascensão ignorando absolutamente todas as regras sobre como alcançar o público, exceto uma: escrever músicas que realmente signifiquem algo para as pessoas. No caso de Alex G, são músicas que podem significar tudo para você.

Quando Alex Giannascoli começou no início dos anos 2010, ele era um trovador adolescente, tocando em shows punk em casas, gravando demos em seu quarto e postando-as diretamente no Bandcamp. Suas músicas eram contos enigmáticos sobre solitários, viciados e perdedores, com seu próprio estilo de humor empático. Seu álbum de 2014, DSU, foi uma obra-prima caseira, repleta de vinhetas de desilusão amorosa como "After Ur Gone" e "Sorry". Se você era fã de Alex G naquela época, provavelmente imaginou que DSU era o máximo que ele precisava fazer — e era mais do que suficiente.

Mas não, ele estava apenas começando. Ele se tornou um ícone do rock da Geração Z sem comprometer nenhum detalhe do que faz. No ano passado, lançou seu décimo álbum, Headlights , o primeiro por uma grande gravadora, mas manteve-se fiel ao seu estilo como poeta e artista solo, com quase todas as notas do álbum escritas, tocadas e cantadas pelo próprio Alex. Músicas antigas da sua época de "faça você mesmo" ainda são seus maiores sucessos em plataformas de streaming, como "Harvey", "Sarah" e "Treehouse". Neste outono, ele está em turnê abrindo os shows de Phoebe Bridgers. Ele conseguiu se expandir musicalmente, crescendo cada vez mais, sem aprender a se promover, sem se preocupar com redes sociais, sem se deixar transformar em nenhum tipo de celebridade. —RS

Porque os veteranos do rock estão voltando para as gravadoras independentes

"Parece que não é necessário estar em uma grande gravadora", disse Ben Gibbard, do Death Cab for Cutie, à Rolling Stone no início deste ano. "Acho que o Geese não está em uma grande gravadora. Não importa."

Gibbard tem razão. O Death Cab acaba de lançar "I Built You a Tower" pela ANTI- Records, retornando ao sistema independente que os lançou antes de assinarem com uma grande gravadora no início dos anos 2000. E eles não são os únicos: Hayley Williams lançou seu álbum solo de sucesso, "2025 ", por meio de seu próprio selo independente, que ela propositalmente chamou de Post Atlantic. O All-American Rejects acaba de lançar seu primeiro LP em 14 anos de forma totalmente independente, apenas com a parceria de uma distribuidora.

Embora os orçamentos das grandes gravadoras tenham ajudado todos esses artistas a alcançar um público maior em algum momento, parece que nenhum deles sente que isso seja o que mais precisa hoje em dia. "Eu consigo contar nos dedos de uma mão, nos 20 anos na Atlantic, o número de pessoas com quem sentíamos que tínhamos um vocabulário musical realmente semelhante", disse Gibbard. As gravadoras independentes, por outro lado, podem oferecer as mesmas coisas que sempre ofereceram, incluindo um toque mais pessoal. Gibbard se lembrou vividamente do primeiro encontro do Death Cab com Allison Crutchfield, uma musicista indie experiente que passou vários anos liderando o departamento de A&R da ANTI-: "Foi muito revigorante estar de volta em uma sala com pessoas que compartilhavam da nossa cultura", disse ele. —MG

Porque o vinil continua vivo no coração dos amantes da música

O amor de Gary Dell'Abate, produtor executivo do programa de Howard Stern, por discos de vinil já causou certo desconforto no ar — irritando o próprio apresentador — e também rendeu muitas risadas para os ouvintes. Mas, ao perguntar a Dell'Abate sobre sua coleção, que ele reduziu de 4.000 para preciosos 400 discos, fica claro que ele leva sua paixão muito a sério. "Guardo discos por valor sentimental, não por seu valor monetário", insiste.

Dell'Abate aprendeu que o sentimentalismo é um conceito unificador. Depois de participar de uma festa de vinil na casa de um amigo em Los Angeles, ele adaptou o conceito — cada convidado traz um disco de sua coleção relacionado a um tema (músicas sobre cidades, por exemplo; ou sobre poder, a tarefa para seu próximo encontro) e fala sobre a música escolhida, depois um DJ a toca — e trouxe a ideia para Nova York.

"É íntimo, confessional e catártico", diz Dell'Abate, que organiza festas de vinil várias vezes por ano, em casas de amigos ou em um espaço dedicado, como um hotel, restaurante ou estúdio de gravação. "Por algum motivo, se você coloca um disco na mão de alguém e pergunta por que escolheu aquele disco, essa pessoa conta coisas que geralmente não revelaria".

O encontro funciona melhor com um grupo de "pessoas com interesses em comum", acrescenta Dell'Abate. "O único pré-requisito é ser um amante de vinil. Então, pode ser o Fred Armisen ou meu terapeuta de mãos". O que é mais gratificante? "O aspecto social", diz ele. "As conexões e amizades que se formam. Há algo especial em reunir os aficionados por vinil". —Shirley Halperin